おわら風の盆とは

おわら風の盆は、富山県富山市八尾町で毎年9月1日〜3日に行われる、富山県を代表する行事の一つです。
「風の盆」という名前は、稲の実りの時期に台風などの「風」の被害を鎮めるよう願ったことに由来するとも言われています。風の盆では、町をいくつかの地区に分け、それぞれの踊り手・演奏者・唄い手が「町流し」や「舞台踊り」を行います。派手な山車や花火はありません。

ただ、音楽と踊りと、石畳の路地。その静けさの中に、恐ろしいほどの美しさがあります。

毎年20万人以上が訪れる人気の行事でありながら、どこか静謐（せいひつ）な余韻を残す。それがおわら風の盆の不思議な魅力です。

あの音色の正体は「胡弓」

浴衣姿の踊り手たちが、提灯の灯りの中をしずかに流れていく。
その情景を彩るのが、どこか懐かしく、胸に刺さるような、「あの音色」。
「あの音、なんだろう」と思ったことはありませんか？

音色の正体は「胡弓」と呼ばれる楽器です。

胡弓は、日本の伝統的な擦弦楽器（さつげんがっき）——つまり、弓で弦をこすって音を出す楽器です。
見た目は三味線に似ていますが、バイオリンのように弓を使って演奏します。
その音色は、一言でいえば「泣いているよう」。
高く細く、それでいてどこまでも伸びるあの音は、おわらの踊りの「間（ま）」や、夜の八尾の空気と溶け合うように作られているかのようです。
聴いた人の中に「なぜか涙が出た」と語るのも、胡弓の音色の力によるところが大きいのではないかと思います。

胡弓って、二胡やバイオリンとは違うの？

似たような楽器がたくさんあって、ちょっとわかりにくいですよね。簡単に整理してみます。
二胡（にこ）は中国の楽器で、胡弓とは別物です。
馬毛を擦って音を出すのは同じですが、糸(弦)の数も音色の方向性も奏法も異なります。
おわらで使われているのは、あくまでも日本の胡弓です。

バイオリンは西洋の楽器で、4本の弦を持ちます。二胡はその名の通り、2本の弦でできています。
胡弓は3本弦が一般的で、音の作り方や音色の質感がまったく異なります。
胡弓の音はより「かすれ」や「揺れ」を含んでいて、それがあの哀愁の源になっています。
実は、胡弓は現在の日本では演奏できる人がとても少ない、希少な楽器。
全国的に見ても、専門的に学べる場所はほとんどありません。

三味線・胡弓・唄——三位一体の音楽

おわらの音楽は、胡弓だけで成り立っているわけではありません。
三味線（しゃみせん）、胡弓、そして唄（うた）の三つが重なり合うことで、はじめておわらの音楽が完成します。三味線がリズムと骨格を作り、唄が言葉とメロディーを載せ、胡弓がその間を漂うように音色を重ねる。
三者がぴったりと息を合わせることで生まれる、あの独特の「間」と「揺れ」こそが、おわら音楽の核心です。
町流しの列に近づくと、音楽が少しずつ大きくなってくる。やがて胡弓の音が耳に届いた瞬間——そこではじめて「おわら風の盆に来た」と感じる人も多いのではないでしょうか。

胡弓の音色に、もっと触れてみたい

おわら風の盆は、9月1日〜3日のわずか三日間だけ。
でも、胡弓の音色はその三日間だけのものではありません。
このメディアサイトを運営している「楽家」では、胡弓や三味線について、演奏・歴史・楽しみ方をさまざまな角度からお届けしています。
おわら風の盆をきっかけに胡弓に興味を持った方も、ぜひほかの記事も覗いてみてください。
また、胡弓を弾いてみたい＆学びたい方向けに、東京と富山にて教室も開講しています。
八尾町育ちの胡弓奏者が、おわらの音楽を一から丁寧にお伝えします。
あの夜の音色の秘密を、一緒にひもといていきましょう。

インタビュー

活動のメインステージであり、技術的なバックグラウンドにあるのが、日本伝統の古典邦楽。「古典は難しい？」と思っている人のために、古典音楽の楽しみ方や、その味わい方について教授いただいた。木場さんを通じて、古典音楽の醍醐味、さらには、胡弓ならでは魅力を感じてほしい。

アートとの向き合い方に似ている

ボーッとしていると、どの曲も同じような印象を受けてしまうのが古典なんですよね（笑）。ちょっとわからないものと向き合ってみる、というのは、アートとの向き合い方と似ているのではないでしょうか。ある切り口から、それぞれに意味がつながっているのが見えてくると、楽しいですよ。私の公演では、曲の解説や歌詞をパンフレットに載せる等して、解釈の切り口を提供するようにしています。この旋律は風が吹く音を想像するなあ、とか、そういった手掛かりを得るだけで、世界観が広がります。手掛かりがないと、名画さえも解釈のしようがない時がありますよね。
 
古典音楽は、いろんな切り口から楽しめます。例えば「千鳥の曲」だと、このフレーズは千鳥の鳴き声かなあ、箏との細かい掛け合いは千鳥足か、あるいはすばしっこい姿かな、といった具合に、描かれる物語を想像しながら、なんらかの繋がりを見つけたときの感動があります。そうやって思い描くのもよければ、別に思い描かずとも、音楽的に純粋に面白いな、ということでもよし。バッハの作品を聴くときと同じで、純粋に音楽として向き合ってもよいし、いろんな意味を考えてもよい、というわけです。
 
また、歌がいろんな物語と繋がっています。古文ではありますが、歌で描かれる世界を想像しながら聴こえてくる音楽に身を委ねるのも楽しみ方のひとつです。この歌はこういう意味があって、もしかしたらそれを思わせるような旋律があるかもしれない、と探しながら聴くと、また別の楽しみを見つけることができます。

古典の楽しみ方は、何でもあり

古典には「地（じ）」という伴奏法があります。その多くは２拍や４拍とかのパターンでできていて、ひたすらずっと繰り返します。そのパターンを知っていると、それがチラッと聞こえたときに、コレは「砧地（きぬたじ）だ！」みたいに発見したときの面白さがあります。
 
砧地（きぬたじ）は、地（じ）のひとつ、つまり伴奏パターンのひとつです。砧（きぬた）は昔のアイロンのようなもので、板の上に置いた布を棒でトントン叩く作業のこと。昔は夜になると、あちこちから砧を打つ音が聞こえてきたようで、そういう夜の寂しい風景を表現しています。この砧地を使った曲に「五段砧（ごだんぎぬた）」「中空砧（なかぞらぎぬた）」「唐砧（からぎぬた）」「岡康砧（おかやすぎぬた）」といった具合に「〇〇砧」という曲がたくさんあります。
 
「鶴の巣籠（すごもり）」に出てくるのが「巣籠地」。この曲の場合、三味線が地に回って「チリチン、チリチン、チリチン、チリチン」が延々と続き、この地に主旋律がのってきます。
 
「晒し地（さらしじ）」は、布晒しの様子を象徴的に表現している地です。この地は、長唄の「越後獅子」にも出てきます。「晒し地（さらしじ）」が出てくると「水のある風景を表現しているのかな」と想像できる、というわけです。
 
古典の楽しみ方は、何でもあり。伝統手法はシンプルだけど、ものすごく奥深いし、可能性がある。先人たちが残した「地」であったり、洗練された手法を色々と組み合わせることで、まだ誰も聞いたことがない世界観を創り出せるのではないか、と思っています。

表現の仕方で印象が一変

伝統音楽は、受け継ぐ、継承することに重きが置かれるジャンルです。本来的には独自の表現を追求するジャンルではありません。
 
普通は、所属する会派ごとに伝えられてきた胡弓の手付（てつけ）があるので、その手付を勝手に変える訳にはいきません。
ただし手付がない曲に関しては、その中における胡弓パートを、自由に作らせていただいています。私の場合、師匠はいますが、独自の手付に対して許容していただいています。
 
「作曲をやりたい」とこの世界に入ったのが私自身のきっかけなので、伝統を継承すること以上に、伝統の素晴らしい引き出しに埋もれながら、そこで遊びたい、っていうところがすごくあるんですよね。
 
伝統曲を掘り下げていくと、ある種の「型」のようなものが見えてきます。そういった先人たちが残した「型」であったり、洗練された手法を色々と組み合わせることで、この楽器の可能性がものすごく広がっていく。その先に、胡弓でないと表現できないものが眠っているんじゃないか、古典をどんどん掘り下げていくと、まだ誰も聴いたことがない世界観を創り出せるのではないか、と思っています。
 
伝統曲は胡弓のパートは決まっているとしても、表現の仕方はかなり自由度が高い面があります。抑揚をつけるかつけないか？　ユリをどうかけるか？　弓をどこで切るか？　弓圧を立体的に変化させるか、平たく弾くか？　そういう細部を突き詰めることで、聴こえ方がものすごく変わるのが、胡弓。どちらにも対応できる技術を磨いたうえで、それをあえて使うか、使わないか？　今回はどう表現しようか？と考えながら臨む面白さがあります。

令和３年から4年連続でリサイタルを開催。多様なフィールドで活躍する木場さんにとって、古典中心のリサイタルは演奏活動のひとつの軸となっている。コロナ禍に行ったある取り組みが単独公演につながり、毎年のリサイタルを通じて、古典への向き合い方がより深まっているという。

無観客きっかけで古典を深堀り

それまではギターやシタールとのコラボレーションとか、何でもやってきました。自分のベースに古典があるにも関わらず、そちらに踏み切れない自分がいました。多くの人が聴きやすいものを提供したいという思いでやってきたことと古典では、客層が違いすぎると感じていました。
 
古典と集客は結びつきにくい、という先入観があったんです。タイミングを狙って古典を入れてはいたんです。１つの舞台で古典を半分やって、半分は洋楽器とコラボレーションをするとか、年2回のコンサートのうち1回は古典にするとか。でもそれは、もしかしたら本当の意味でお客さんを育ててなかったのかもしれません。
 
古典を追求するのは、自分の音楽活動の中でとても大事なことと思いながらも、古典で集客できるだろうか？という葛藤があって、なかなか踏み込めなかったんです。そんななかおとずれたコロナ禍で「無観客公演」が推奨されました。助成金のサポートもあって、一番心配していた「集客をしなくてもいい」というわけです。「とにかく質の高い活動をしたらいいんだ」と。そこで初めて、無観客でリサイタルを行いました。2020年のことです。その翌年に東京・紀尾井小ホールで有観客のリサイタルを行い、それから４年連続で開催してきました。

古典中心のリサイタルをやると決めたときに、古典や胡弓との向き合い方が変わったところがありました。古典は掘れば掘るほど面白い、そういうことに気づけた、発見できたってということは、すごい成果だと思います。

リサイタルでは「胡弓の古典楽器としての歩み」を踏まえたうえで、伝えていかなければいけないことを追求しています。古典的手法を深掘りしてアップデートしていくみたいな突き詰め方ですね。これまでなかった攻め方や深め方が、古典のなかにまだまだあると思っています。

胡弓の伝統と革新を常に追及し続ける木場さんは、一方で、毎年９月には富山市八尾町の伝統行事「おわら風の盆」にも欠かさずに通い続ける。木場さんにとって、おわら風の盆とはどのような存在か？　その距離感やスタンスについてうかがった。

スタンスが異なるからこそ面白い

おわらは自分の原点のひとつ。毎年足を運ぶことで、原点を確認できるのは、ありがたいことです。胡弓は古典だけでなく、地域芸能として演奏されてきた歴史があります。地域芸能の代名詞が、越中おわら節ではないでしょうか。おわら風の盆では、本場の音に追いつきたいという気持ちで、現地の奏法を勉強させていただいています。
 
おわらの弓使いは、基本的に一拍ずつ返して、たまに二拍繋ぐ、といった具合で、とてもシンプル。弓使いがシンプルだからこそ、ものすごく音色の変化の幅が大きい。音色の引き出し方が、古典とは全然違う。風の音か？と思うくらい小さな音になるときもあれば、音を膨らませて「うなり」のような音を出すときもあります。抑揚がしっかりあるのが面白い。古典では、その逆が要求されることが多いんです。
 
古典は、あまり抑揚をつけない。胡弓の特徴は音が伸びることだから、できるだけ音を絶やさずに、まっすぐ伸びる音を提供すべき、という考え方をされることがあります。意図的に音を切る箇所以外は、できるだけ均一に続く音を提供します。地歌のなかでも、京都や大阪はそういった考え方が多い、という印象があります。
 
一方、おわらは時代によって進化し続けています。昔の録音を聴いたら今と全然違いますね。生きている伝統音楽の姿。古典とはまた一味違った進化の在り方と思います。

もうひとつ、おわらには胡弓を前へ倒す奏法があるじゃないですか。一の糸を弾くときに、胡弓をものすごく前へ倒しますよね。あれは、古典で嫌われるんです。「ちゃんと回しなさい」って言われます（笑）。前に倒すのは、あんまり品がよろしくないようですね。
 
おわらは、町流しが一番最高の舞台。歩きながら演奏するときは、胡弓が体に密着していると回せないですよね。だから胡弓を前へ倒すのは、理にかなっているんです。かつてはバロック時代のチェロも前へ倒して移弦することがあったらしいですけど、それと一緒かなぁと思います。

伝統奏法の掛け合わせで新たな発見

おわらの癖でつい、古典を演奏するとき胡弓を前へ倒し気味にすることがあります。でも実は、そういう奏法を取り入れることで、一の糸から三の糸にパッと移るような、従来は不可能だと思われていたパッセージが演奏できることがあるんです。
 
一の糸、二の糸、三の糸を素早く往復するようなフレーズも、胡弓を回していたら間に合わない。回すと左手に負担がかかりすぎるので、回しながら指先を動かすのがすごく難しい。でも、胡弓を倒せば指先も自由なので、素早く糸を横断できます。こんな風に、これまで組み合わせたことがなかった伝統と伝統を組み合わせると、こんなことができた！っていうのが、私にとってすごい発見なんです。そういうのを発見する瞬間が、めちゃくちゃ楽しいですよね。

バイオリンやチェロ、中国の二胡、ブルガリアのガドゥルカなど、世界中の擦弦楽器と共演する木場さん。そんな木場さんは、胡弓ならではの特長として「絹糸」と「馬毛の張り具体」を挙げる。異文化との交流、そして、ジャンルを跨いだ伝統の追求から、木場さん独自の演奏スタイルが生まれているようだ。

絹糸の瞬発力がスゴイ

弦に金属を使った擦弦楽器が多いなか、胡弓は弦に絹糸を使っているところに差異はあるにしても、絹糸だからといって音が柔らかい、というわけではないんです。もちろんソフトにも演奏できますが、他の楽器に比べて絹糸だから音がソフトかと言われると、決してそうではない。突き抜けるような強い音も出ますしね。絹糸の優位性があるとすれば、瞬発力がスゴイ。音の立ち上がりと、変化の度合いに秀でています。

弛ませて鳴らすから激しい音がでる

弓に張った馬毛を「弛ませて擦る」のも、特徴のひとつ。二胡やバイオリンは、ピンッと張った馬毛で弦に「触れる」ことで音が鳴るわけですが、胡弓の場合は、弛んでいる馬毛で音を「引き出す」感じ。柔らかい馬毛で振動を「引き出す」のは、それだけで気持ちがいいものです。
 
これは乾布摩擦と似た状態と思うんですね。ピンッと張ってしまうと接地面が少なくなるのに対して、弛んだ状態だと接地面が広くなって摩擦が起きやすくなる。これと同じで、馬毛が弛んでいることで接地面が広がり、ピンッと張らないからこそ、糸に深く食い込みます。私はできるだけ、胡弓の馬毛を指でピンッと張らない方がいいと思っているんですよね。
 
これは、文楽における胡弓の演奏法から学んだことです。阿古屋ではすごく激しい音を鳴らすんですけど、弓の張りはとても緩いんです。つまり弓のテンションで激しい音を出しているわけじゃない。弓を張ってしまうと、糸に深く食い込まないので、あんなに激しい音は鳴らせないんです。

中国の京劇でつかう「京胡（きょうこ）」という楽器があります。京劇において中心となる楽器で、ものすごくカンカンした、激しい音が出るんです。今は金属弦を張っていますが、その昔は絹糸を張っていたようです。そして絹糸だった時代は、馬毛の張りがものすごく緩かったみたいです。
 
京劇のガガガガッとけたたましく響くシンバル類のなか、メインの楽器として音を鳴らすわけですから、相当に激しい音がするわけです。しかも昔は生音ですからね。
 
つまり、激しい音を出す楽器ほど、弓の張りは緩い。緩い方が糸に深く食い込ませることができるというわけです。絹糸の鳴らし方としては、利にかなっているんでしょうね。

未知なところも胡弓の魅力

このように、極限まで強い表現や、ちょっとユーモラスなことをやったりすることは文楽や義太夫から、洗練された音色は地歌から、さらには、地域芸能としてのおわら胡弓、これらに尾張万歳あたりの軽快で、ひょうきんな胡弓奏法も加え、それらの演奏手法をいろいろと組み合わせることで、今の自分の奏法ができています。これらのジャンルをまたがって胡弓に触れると、ものすごく多様で、それぞれに伝統的に追求された世界が詰まっています。
 
日本列島だけでもいろんな手法が眠っていて、お互いにあまり交流がないまま現在まできてしまっている。いろんな胡弓の演奏法を、私というひとりの人間が取り入れて創作に生かすと、どういう表現が花開くのだろうか?　それは今まで誰も足を踏み入れたことがなかった領域かもしれない、と感じることがあります。
 
こうやって胡弓の魅力を今もずっと探し続けている、というのが正直なところです。未知なところがたくさんあるところもまた、胡弓の魅力のような気がしています。

胡弓についての知見を惜しみなくお話いただき、ありがとうございます。まだまだ話を聞きたい方は、木場さんの門下に入って、直接お話をうかがうべきかと（笑）。

こうして人にお話しすることで、自分の考え方も整理されて理論化されていく面もあります。これからも様々な場面で胡弓のあれこれをお話ししながら、自分の学んできた手法を整理して、しっかり演奏で伝えていきたい、と考えています。

基本情報

木場大輔（きばだいすけ）・淡路島出身

■教室情報
東京／新御徒町、巣鴨
大阪／上新庄
 
■問い合わせ
http://www.yuzuruha.net

インタビュー

津軽三味線プレーヤー雅勝さんが胡弓を弾きはじめたのは、コロナ禍でのこと。胡弓との出逢いについて、ロックバンド時代や民謡酒場での修行時代まで遡って、思い出してくれた。

チャンネルに新しいエッセンスが加わった

一番最初の胡弓の記憶というと、若林美智子さんのＣＤ「哀の調べ～風の盆の里より」ですね。民謡酒場での修行時代のことと思いますが、当時は民族音楽に興味があって、色々と勉強していた頃だったと思います。その頃にNHKのハイビジョンドラマ「風の盆から」も観ました。八尾を舞台に、松本幸四郎さんが主役で描かれた２時間ドラマです。その時は胡弓という楽器自体にフォーカスしたわけではなく、色んな楽器を聴いてるなかのひとつって感じだったんですが、なんとなく記憶に残っていたんでしょうね。

津軽三味線に出逢う前、20歳ぐらいまでは、ロックバンドでギターを弾いてました。ミュージシャンになりたい、と取り組んでいましたが、津軽三味線を見た時に「この楽器でやっていこう」と思って、22歳から「ことぶき」で４年間修行しました。それまではポップス、ジャズ、洋楽とか、何でも聴いていたんですが、大阪修行時代は、民謡だけ聞いて過ごしました。その後は、浅草「みどり」で４年間修行。20代は、ほぼそんな感じでした。

胡弓を買ったのは、今から10年ほど前に遡ります。「越中おわら節を弾きたい」と思って、中古で手に入れました。弓で糸を擦っても音が出なかったので「どこかで習おう」と教室を探したんですけど、いわゆる古典の地唄胡弓を教えるところはあっても、「越中おわら節」の胡弓を教えてる人がいなくて、そのまま放っておきました。

そうこうしているうちにコロナになって暇になったとき「そういえば、胡弓あったな」って思い出しました。10年前に買ったときは音が出なかったのですが「松脂を馬毛に塗れば音が出るらしい」ということがわかったのはそのときでした。竜馬四重奏でヴァイオリンとバンドやってるのに、そんなことも知らなかったから、笑えますね（笑）。

とりあえずは簡単なポップスを弾いてみよう、と弾いたのが「涙そうそう」。それをYou Tubeチャンネルにアップしたのは、胡弓をはじめて1〜2カ月ほど経った頃だったかと思います。アップした時は、ファンの人から「胡弓弾くんだ！」みたいな、驚きのリアクションがありましたね。胡弓があることで、今までできなかったバラードの曲ができるようになったりして、コンテンツに新しいエッセンスが加わりました。

わずか１〜２カ月にしてYou Tubeで楽曲をアップするほど胡弓を弾きこなす雅勝さん。習得するコツや苦労話について話をうかがった。

ワインのように熟していけばいい

三味線と一緒で、胡弓も楽曲のキーにあわせて調弦しますよね。そのためビギナーは「キーはどこ？」みたいなところからはじまるところなんですが、それがわかるぶん、洋楽やポップスのアレンジにおいてアドバンテージはあったかなという感じがします。胡弓は棹が短いぶん、ツボもつかまえにくいとこがあります。とはいえ何よりも、コロナ禍で時間はいっぱいあったので、たくさん練習できた、というところでしょうか。

胡弓を弾いていると、楽器をやり始めた頃の気持ちを思い出すというか、まるで三味線はじめた頃みたいな、常に発見があって楽しいですよね。始めた頃って「伸びしろ」があるじゃないですか。「こんなことができる！あんなこともできる！」みたいな。あとは今、You Tubeとかあるので、便利。何回もくり返し見返しながら「何が違うんだろう？」なんて考えながら、新しい楽器を追求していく面白さを胡弓を通して味わっているみたいな。僕が三味線を始めた頃と違って、いろんな教材があるから、成長の度合いみたいなものも当時とは違いますよね。

まあ、練習して上手くなるには上手くなるけど、楽器はキャリアが追いついてこないといい感じにはならない。何年もやっていくことで、どんどん味が出てくるというかね。三味線をはじめて1年2年で上手くなる人も、今は全然いますけど、キャリアから出てくるものって、絶対あるんですよね。だから僕も焦らず、長い時間をかけながら、ワインのようにいい感じに熟していけばいいと思っています。

ともにメンバーとして活動するユニット「HALE to KE」では二胡奏者と、「竜馬四重奏」ではヴァイオリン奏者と活動をする雅勝さん。二胡とヴァイオリンという２つの擦弦楽器と一緒に音楽制作に取り組む雅勝さんならではの視点で、胡弓の魅力を分析してもらった。

胡弓は歌える楽しさがある

何といっても、音色が最大の魅力ですよね。二胡でもなく、ヴァイオリンでもない、あの独特の音色が魅力。
二胡は鳴った瞬間に中国って感じがしますね。よくも悪くも、すごい主張があるなっていうのが二胡。
同じことを尺八にも感じます。他の国に無いんですよね、ああいう音って。かすれ具合とか、音を一瞬でその世界にしてしまう主張はすごい。
尺八ほどではないけど、胡弓もそれに近い要素があるんだけど、認知度、イメージがないでしょうね。一方、ヴァイオリンほどパワーはないんだけど、ヴァイオリン以上に繊細な感じがある。ガーッとパワーを出すよりは、ゆったりと味を出していく楽器なのかなって思います。

胡弓はまだ、やったことがないことが色々あるんじゃないか、とは思ってます。正直、どういう可能性があるのか？って、僕自身まだわかってないんですよね。僕としては、ロック的なテイストにもチャレンジしたいっていう気持ちはあります。正当派は他にいるし、バラードやポップスをそれなりに弾く人はいると思うんで、それじゃない部分も勝負したいなっていう、自分にしかできないことをやったほうがいいなっていうことは感じてます。

だたし圧倒的に思うのは、まだまだ奏者が少ないこと。胡弓でポップスを弾いている人も、まだ少ないですもんね。僕はずっと民謡をやってきたので馴染みはあるんですけど、一般の人の認知度がこんなにも無いのか！っていうのは感じますね。今だに「中国の楽器？」って言われますものね。まだそういうレベルの認知度。これだけ魅力のある楽器は、もっと広まってもいいと思います。

三味線プレイヤーの僕としては、ずっと音が伸びない楽器（＝三味線）をやってきているので、胡弓を弾いていると「歌える」楽しさがあります。自分の声に近い感じで弾けるところが面白いですね。

三味線プレイヤーとして常に新しい境地を開き続ける雅勝さんは、胡弓を手にすることで、この先どんな景色を見ようとしているのだろうか？

いつか風の盆で胡弓を弾きたい

人前でもうちょっとイメージ通りに弾きたい（笑）って、まだそこですね。自分のソロライブで、三味線の合間に胡弓を演奏することがあるんですが、まだまだ自分で納得できるプレイではないですね。お客さんの反応は、新鮮な感じはあったかと思います。胡弓の音って、生で聞いたことがある人はまだ少ないですよね。胡弓自体が知られていないですから。プレイヤーも少ないですし。

誰もやってないこと、人がやってないことをやりたいというスタンスで、これからも胡弓と長い目で付き合っていきたいと思います。そういう意味でも、もっと楽器と仲良くなって（笑）ってところからですねえ。まだ舞台慣れしてない。やっぱりキャリアというか、場数が大事だと思います。もうちょっと、精進したいなって感じ。でもその精進も含めて、もっと可能性を追及していくところで胡弓に取り組んでいきます。

あとはいつか、八尾町の風の盆で弾いてみたいっていうのがありますねえ。胡弓といえば、僕のなかではやはり、越中おわらのイメージ。今年はじめて「おわら風の盆」へ行ったんですよ。あの町の中で胡弓を流したい、という夢がありますね。風の盆でいつか胡弓を弾けたら最高だろうなって、思います。

基本情報

雅勝（まさかつ）　千葉県浦安市出身

You tube チャンネル https://www.youtube.com/@tokyosaizensen

Instagram https://www.instagram.com/shamisenplayer_masakatsu/

インタビュー

民謡を習っていた姉の影響で、生まれて３カ月で三味線の稽古場に通っていた俊太郎さんは、気がついたら民謡大好き、という男の子だったとか。幼い頃の民謡や、胡弓との思い出話について聞いてみた。

胡弓を三味線代わりに弾いていた幼少期

胡弓との出会いは、実は、随分幼い頃でした。姉と一緒に通った民謡教室で、三味線代わりに弾いていたのがはじまりです（笑。おもちゃのアンパンマンギターの次に手にしたのが、胡弓だったのを覚えてます。

姉の影響で、母のお腹にいる時から民謡を聴いていて、生後３〜４カ月の頃からお稽古に連れて行かれた、と聞いてます。小学校に進学した頃に三味線を習いはじめて、胡弓は高校に入った頃に習いました。富山県は胡弓が入る民謡が多く、当時所属していた民謡の会に胡弓奏者がいなかったので、師匠から「若いんだから、やってみな」ってノリで、胡弓を渡されたのがきっかけ。でも、胡弓のお稽古に通ったのは１年くらいだったかなあ。同じ頃に津軽三味線を習いはじめたので、津軽三味線にも夢中になりました。こんなこと言ったらダメかもしれませんが、当時はあまり、胡弓に興味がありませんでしたねえ（笑。三味線の方が好きでしたから。

高校入学と同時にはじめたという津軽三味線で、みるみる実力をつけた俊太郎さんは、高校卒業後に上京。津軽三味線奏者・椿正範さんの内弟子に入りながら、東京浅草の民謡酒場・和ノ家追分の専属演奏者となった。そこから再び、胡弓とのつき合いがはじまる。

心から「胡弓やっててよかった！」

民謡酒場に勤めるにあたり「三味線以外で、何かできることない?」ということになるんです。三味線が弾けるのは当たり前として、例えば踊りを踊る、唄も歌うし笛も吹く、みたいに、みんな他に一芸を持っているんです。僕は富山の民謡は歌いましたけど「他に何か、できることはないか？」って考えたとき「胡弓だなっ！」と思いました。だから胡弓を本気でやりはじめたのは、上京してから。今となっては心から「胡弓やっててよかったなっ」て思いますね。胡弓はなんていうか、必殺技じゃないですけど、秘密兵器になりますよね。今のところ、やっている人がほどんど居ませんから。

高校卒業と同時に上京してから、実は苦難の連続だった俊太郎さん。上京した年の年末に、勤務先の追分が一時閉店。約半年後に新店舗が再開するも、１年も経たずしてコロナ禍に見舞われ、そこから約３年間、仕事がほぼない状態に。苦難の連続を、どう乗り越えてきたのだろうか。

俺、どうしようか？　苦難の日々も「耐えてよかった！」

追分が閉店したときは「俺、どうしようか？」と真剣に悩みました。上京して1年も経ってないのに「富山に帰るのかな？」と思ったときもありました。でも、富山を出る時にみんなが応援してくれたことを思い出して「今、帰るのは違うな」「でも、東京で就職っていうのもおかしいな」と思っているうちに、追分が新しくはじまると聞いて「もうちょっと踏ん張ってみるか」と思えるようになりました。

そして令和とともに新しい追分がはじまり「今からがんばるぞー」って時に、コロナがはじまりました。舞台も無いし、仕事も無い。やることがなかったから、家でずっと、昔の名人の音源を聞いて過ごしてました。コロナはいつ終わるか？わからなかったし、正直、ずっと道に迷っていました。でもありがたいことに内弟子だったので、面倒は全て師匠に見てもらえたんです。

コロナ禍が開けた時の舞台一発目は、今でも覚えてますね。その時のお客さんからの拍手が、めっちゃ嬉しかった。「いや〜耐えてよかった！」心から、そう思えました。上京してからずっと、まともに働けてなかったんですが、我慢して本当によかったと思います。あの時に諦めてたら、三味線も胡弓も、辞めていると思います。この先もう少し時間が経ったら「あの時の苦労があって良かったな〜」って思えるかもしれない。不安に耐えて、いろいろ迷って大変な思いをしながら、自分と向き合う貴重な時間、だったのかもしれません。

コロナ禍を乗り越えて、上京以来ようやく本格始動し活躍中の俊太郎さん。津軽三味線奏者として力強い三味線を響かせる一方で、舞台では胡弓を奏でるときも。津軽三味線と胡弓、そのバランスはどのようにとっているのだろうか。

他の人と何が違うか？　私にとってそれが胡弓

師匠・椿正範とともに作り上げる「椿祭」では、これまですべての舞台で胡弓を入れてますね。自分のソロコンサートも、胡弓は絶対に入れるようにします。コンサートや発表会などでゲストとしてお声掛けいただいた時も、ゲストに与えられた時間がそんなに長くなくても、たとえ５分でも、胡弓を入れます。津軽三味線って、ずっと聞いていたら、うるさい？というか音が大きいじゃないですか。その間に胡弓を入れたら、ちょっと耳の休憩になると思うのです。ステージに変化をつけるというか、メリハリをつけてくれる。僕が津軽三味線奏者である限りは、これからも胡弓は演奏していこうと思ってます。

自分のなかで今は、津軽三味線であると同時に、胡弓奏者、と言いたいくらいに力を入れてます。津軽三味線も生で聞く機会はあまりないかもしれませんが、胡弓はさらに少ない。そんな津軽三味線を聴きにきた人が、おまけに胡弓も聴けるっていう、両方とも聴けるのが椿俊太郎って思われるくらい、頑張れたらいいな。

胡弓も、津軽三味線と同じように、三つの糸、つまり三味線じゃないですか。同じ三味線だけど、一番大きな津軽三味線と、一番小さい三味線、つまり胡弓が、これだけ違って、同じ三味線なのに、こんなに音の幅があるんだよ、ということを僕のステージで伝えられたらいいですね。

富山出身の俊太郎さんにとって、胡弓といえばやはり、おわら風の盆が連想される。津軽三味線奏者・椿俊太郎さんは、胡弓の演奏を通して、ふるさと富山との関わりがより深くなっているようだ。

ステージ以上に緊張!? 風の盆のソロ街流し

風の盆の時期に、金沢市の方でお仕事があり、胡弓を持って行ったんです。そしたら、幼い頃からずっとお世話になっている長岡すみ子先生に「こっちにいるなら、胡弓持って遊びにおいで」って、風の盆に誘っていただいた。長岡先生とちょっとしたショーをご一緒させてもらった後に「せっかく風の盆に来てるんだから、流しておいで」ってなったんです。「いやいや、町の人じゃないから駄目でしょ？」と思いましたが、先生が背中を押してくれたので「行くしかないでしょ！」って、諏訪町を胡弓だけで流し演奏させていただきました。コンサートとかより全然緊張しましたね。

諏訪町という最高の舞台だったこともあり、50人くらいの人だかりができたかと思います。そのなかに、数10年風の盆に通ってるという方が「胡弓ひとりで流すのは、初めてみた。よかったよ」と褒めてくれたり、地元八尾の胡弓奏者と思われる年配の男性が「いいね」って、ひと声かけてくれました。町の人に認められた、というのが一番うれしかったですね。

富山の民謡は、こきりこ、麦屋、早麦屋、といちんさ、お小夜など、胡弓でひと通り弾きます。ライブで胡弓を弾くときは、民謡だけでなく、アメイジンググレースや童謡などゆったりとした曲からＪポップスまで、色々と弾いて楽しんでいただきます。胡弓の魅力を知ってもらいたいと思って、色々な曲にトライしてます。

津軽三味線奏者の俊太郎さんから見る、胡弓の特長と魅力について話をうかがった。

胡弓は奏者の個性を全面に出せる

胡弓は奏者によって、音や表現が全く異なります。例えば、僕が弾いている津軽三味線を別の人が弾いても、僕に近い音が鳴りますが、僕の胡弓を別の人が弾くと、僕とはまったく違う音、つまり、その人の音になります。逆に言うと、誰かの胡弓を僕が弾くと、僕の音にすることができる。弓のあてる強さとバランスとか、ちょっとしたノウハウが人それぞれにあって、それぞれのメソッドがあればどの胡弓でも自分の音になるんです。楽器の良し悪しに関わらず、奏者の個性や表現を全面に出せるのが胡弓です。

単音で構成される三味線と違って、胡弓は、音を繋いでくれる。僕の勝手な考えですけど、胡弓の音を聴いて嫌がる日本人はいないと思います。どこかで聴いたことがある音だなって、日本人ならみんな感じると思う。それでいて、自分ならではの音が出せる。その点においては三味線より奥深い、と思います。だから難しさもあるけど、優しい音から激しい音まで、表現できる幅は胡弓のほうが絶対に広い。とはいえ、自分の胡弓の音はというと、出したい音にはほど遠い。津軽三味線以上に、遠い気がしています。

音が出しやすいのは三味線なんですよね。パッと持って撥で叩けば音は出る。胡弓は、さしあたり擦れば音は鳴るけど、その先が難しい。奥が深いぶん、楽しい。これほど多様性が叫ばれている時代において、まさに時代にふさわしい、その人を表現できる唯一無二の和楽器、それが胡弓だと思います。津軽三味線奏者なので大きな声では言えませんが、正直、三味線より胡弓の方が絶対面白いと思います。って、あくまで今の僕の意見ですけどね（笑。

基本情報

椿俊太郎（つばきしゅんたろう）　富山県高岡市出身・1999年12月1日生

問い合わせ　☎ 080-6366-6219
【Mail】 shuntaro1201@yahoo.co.jp
【HP】shuntaro-tsubaki.com

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松戸、浅草、北千住、神楽坂、富山県内各地（出張）

インタビュー

自身のコンサートでは、津軽三味線だけでなく、胡弓や沖縄三線、尺八も演奏し、多彩な才能を発揮する竹童さん。様々な楽器を弾き分ける竹童さんならではの視点で、胡弓の魅力について語っていただいた。

胡弓の魅力は、理屈じゃない、何か。

胡弓の魅力？　ですよね。それが分かっているようで、実は分かっていない。説明しろと言われると意外に難しいんです。私の現状を言いますと、私の津軽三味線コンサートで、１曲だけ胡弓で越中おわら節を弾く、ということはつまり、９割は津軽の曲を弾くわけですよね。ところが、終わったときの評判は、圧倒的に「胡弓が良かった〜」なんですよ。私としては喜んでいいのか、どうなのか（笑。さらにいうと、評判が良いからと再び公演をセットしていただいたとして、その際に必ず「今回も胡弓はありますよね？」と念を押されます（笑。これは一体、どういうことなんでしょう？？？

何が魅力なの？って、知っている人いたら教えて欲しい感じがしますけど、理屈じゃない、何か感じるとこがみんなあるんでしょうね。

前にこんな話を聞いたことがあります。秋になると虫の音がするでしょ。これを楽しめるのは、世界中で日本人だけだそうです。外国の人には、虫の音は雑音にしか聞こえない。日本人のDNAなんでしょうか、五感ではない、別の何かがあるんですよね。胡弓の音色にも、そんな魅力があるような気がします。

特に八尾のおわら胡弓は、地唄胡弓の音色とはまた違います。独特の八尾らしい何か。そこに秘密があるんじゃないかなあ。

これを「風の盆」に置き換えてみると、これはまさに「不治の病」なんです（笑。
日本中にいろんな有名な行事やお祭り、フェスティバルありますが、大体のものは一回行けば満足するでしょ。でもおわらは違う。来年も、再来年もとなる。一回行って、罹（かか）っちゃうと、もう治らない。

そこで「おわらの何がいいんだろう？」って、一生懸命考えようとしても、明確な答えがない。
「テンポが胎内にいる時に似てる」とか、何かしら想像して言うけど、「これだっ！」っていう答えは、おそらく誰も見出せないんじゃないかなあ。逆に「分からないからまた来ちゃう、理屈じゃないから来ちゃう」とかね。胡弓の魅力も、そんな感じだと思います。

竹童さんにとって、胡弓＝おわら胡弓。30年以上通い詰めるだけあって、胡弓の話のつもりが、いつの間にか風の盆の話に変わっていく。そんな風の盆が大好きな竹童さんに、おわらとの出逢いと、胡弓をはじめたきっかけについて伺った。

胡弓の音色に「涙があふれてきた」

まだ20代かけ出しの頃、宴会のゲストとして山中温泉の老舗旅館で演奏させていただいたとき、同じくゲストとしておわらの方々が出演されたんですね。その時に聴いたおわらが、今まで知っていたおわらとは、全く違って聴こえたんです。「どうしてこんなに切ないんだろう」って耳を塞いで「やめてくれ〜」っていうくらい、涙があふれてきたんです。その理由は「胡弓の音色」にあっただったです。

その時に胡弓を弾いていたのが、後に私の師匠となる長谷川誠治さん。同年の風の盆に、どうしても長谷川さんに逢いたくて、探しに行ったんです。夜流しの時でした。静かな町に響く胡弓の音色を聴いて「長谷川さんの音だ！」って、わかりましたね。

ご挨拶させてもらったら、夜流しのあと公民館にあがらせてもらってね。「竹童君が来てるんだったら津軽三味線を聴かせてもらおうよ」って感じになったんです。べべべ〜んですよ。観光客にしてみたら「この町何やってんの？」ってなりますよね（笑。そしたら次に「どうじゃ、胡弓も弾けるんやろ」ってなった。胡弓を手渡されて、誰か三味線弾け〜、誰か唄え〜って、返事もしないうちに、ハイヨッ、トンツンキュー！みたいな感じですよ。私の胡弓で、もう公民館中、大笑い。こっちは油汗やら、冷や汗かいてやってるでしょ。だけどね、まるっきり弾けない素人だったら笑えないじゃないですか。笑えるというのは、弓の押し引きみたいなところはメチャクチャだけど、きっとリズムやツボはそれなりだったのではないかと。そのチグハグな感じが、絶妙に面白かったでしょうね。

今年も来られんか〜、から早30年

最初は、竹与さん（現、二代目高橋竹山）が「使ってない胡弓がある」っていうから、それをいただいてはじめたんです。弓は、自分で竹を曲げて、馬の尻尾を束ねて、自作の弓を使ってはじめました。まだ内弟子時代だったので、初代の竹山は「その胡弓ってものを練習するときだけは、ちょっと奥の部屋でやってくれないか〜」って（笑。よほど勘に触ったんでしょうね。

公民館での一件からほぼ一年経った８月の頭に、「どうじゃ今年も来られんか〜」って、長谷川さんから電話ががかかってきました。「ぜひ行きたいです」って言ったら、「もし時間あるんだったら、早めにきて練習しられ」となったんです。そこで朝９時から、気がついたら夜7時まで！みっちり。ご飯も食べない感じで、集中してつきっきりで教えていただいきました。そしたらその年の風の盆で、町の総代が「お稽古お疲れ様です。ちょっと竹童さん、前に出てきてください」ってなった。また叱られるんかな〜って思ったら「これ着てください」って、浴衣を手渡されたんです。「え〜っ、町の人以外ダメじゃないですか！」って言ったら「あんたもう、街の人だねか」って。その時はもう感動して、ワンワン泣けてきましたね。「袖一回通したら、途中でやめるわけにいかんがんぜ。半端なことしてくれんなよ」って。任侠の世界か！と思いましたけどね（笑。　

おわらとは、そういう出逢いでしたね。そこから早、30年が経ちました。

自作したのは弓だけでなく、胡弓の駒も自身による手づくり。竹童さんが制作した胡弓竹駒はバラエティがあり、愛用する人も多い。

駒は自分で作るもの、本当に音色が変わる

初代高橋竹山に内弟子に入ったのが18歳のとき。三味線どころか、何も教えてくれない竹山が、まず私に言ったのが「おい竹童、三味線の駒つくれ」だったんです。もちろんそれまで、作ったことないですよ（笑。「あー大丈夫、大丈夫じゃ。若いからできる」って言うわけです。それでホームセンター行って竹と彫刻刀を買ってきて、三日かけて削って、いびつな駒、つくりました（笑。竹山が言うのは「市販の駒はみんな細くて、音が貧弱で嫌。どこ探してもないから、お前作れ」ってわけです。

師匠の竹山は、お土産を持って誰かが訪ねてくると、「じゃあお前さん、やるよ」と言って、駒をあげちゃう。「先生、いい駒使ってますねー」って言われたら、すぐにピクっと反応してあげちゃう。そうすると、また作らなきゃいけない。そんなこともあって、とにかく駒はたくさん作ってきました。より精度を高めるために、道具や機械もそろえました。この経験のおかげで、八尾に来た時に「駒作れ」って言われても、驚かずに済みました（笑。

八尾に来てからは、名人のモデルを研究して、時代によって、弾く時間によって、竹のどこを削ったらどんな音になるか、いろいろと研究しました。駒ひとつで、本当に音色が変わるんですよねえ。内弟子に入ったときに「駒作れ」って言われたのも、きっとそういうことだったんだと思います。ただし、その駒が良いか悪いかは、奏者次第。耳はみんな違うので、究極的には、駒は自分で調整するものと思います。

僕の駒は、厚さが基本0.8mmくらい。竹をそこまで削るのは、すごい労力。削りに削って、やりすぎると割れるでしょ。最後に割っちゃうことも、よくあります。三味線も胡弓も、二つと同じものはない。「鳴る駒を手にしたら、親兄弟でも渡しちゃダメ」って言うんですよ。鳴るコマは、そう手に入らないんで、絶対に温存にしておきなさいって言うわけです。

津軽三味線奏者を目指して修行中の身でありながら、胡弓もはじめた竹童さん。津軽三味線とおわら胡弓の二刀流は、最初は苦労も多かったようです。

おわらの胡弓は刺身のツマ

津軽三味線は個人プレイ。だから胡弓をはじめた頃は、胡弓もちゃんと一人で成立しなきゃダメって思い込んじゃいました。胡弓は胡弓でちゃんとやるみたいな。ところが、これが間違ってたんですね。

「おわらの胡弓は刺身のツマなんだから。メインのマグロじゃねえんだぞ」って、言ってくれた人がいるんです。津軽三味線では、マグロになろうとして弾いているのに、八尾では「お前、刺身のツマになれ」っていう訳です。難しくないですか！　
こんなことも言われました。「町の縁中（えんなか）に水がチョロチョロ〜と流れとろう。あの音よりも、胡弓は小さくなきゃダメよ」って。難しいよねえ。「ドーナツの穴あるでしょ。でもないでしょ。そんな感じ」て。「もう難しい！」禅問答みたいなもんですよ。

だから毎年おわらで八尾に入る時は、津軽三味線奏者の高橋竹童は、いつもどこかに置いてきて、いち町民になったつもりで過ごします。最初の年の一件以来、八尾では津軽三味線を弾かない、と決めてます。

さて、当初のテーマ「胡弓の魅力」について、わからない？なりに、ひねり出していただきました。和楽器に精通する竹童さんだけあって、その言葉には説得力があります。

心が落ち着く、穏やかになる。それが、胡弓の魅力

正直「ピアノやってます「バイオリンやってます」って聞いても、あんまりびっくりしないじゃないですか。ところが「津軽三味線やってます」「おわら胡弓やってます」って言うと「えっっー」て、なりますよね。

日本人なんだから、本来は和楽器やってて珍しくないはずなのに、バイオリンとかピアノの方がスタンダードになっちゃってるっていうのも、ちょっと日本は悲しいかなって感じはします。

そんななかにあって、胡弓はなんといっても、音色が優しいじゃないですか。津軽三味線は、もう怒鳴られてるような、ガンガン鳴って、血が騒いできたりっていうのがあるけど、胡弓は本当に癒しになる。唄は長く声を伸ばしますが、音色が伸びる胡弓はその声の代わりにもなる。胡弓を聴いて、心が乱れるってことはないと思うんですよね。

心が落ち着く、穏やかになる。それが、胡弓の魅力かと思います。

基本情報

高橋竹童（たかはしちくどう）　1970年4月19日・新潟県新潟市南区（旧 西蒲原郡月潟村）生まれ

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インタビュー

それは、まだ日本一になる前の話。幼い頃から民謡を唄ってきた優さんが、唄以外の何か？を求めはじめたのは、高校を卒業した頃だったという。その時、胡弓を選んだ動機や経緯についての話からスタート。

日本全国を知っているからこそ、胡弓の力を実感

２歳から姉・澪（みお）と一緒に民謡教室に通いはじめて、全国大会に参加したり、応援に行くことがよくありました。全国大会の舞台で胡弓が聞こえてくると、会場全体が「あ、富山の舞台だな」って一瞬にしてなるんです。

胡弓が響くだけで、そこが富山の空間になり、時間になる。

そういう風にして、胡弓の力を幼い頃から肌で感じてきました。

全国大会の舞台では、各地の民謡で歌声を競うなか、東北だったら津軽三味線、沖縄だったら三線が響くと、それだけで地域の特色が際立つじゃないですか。

それと一緒で、胡弓が響くと、これは富山だ！って伝わる力が、胡弓にはある、その音だけで、曲の印象が全然違ってくるです。

だから、自分も弾けるようになりたい。全国の舞台でそう思ったのが、胡弓をはじめた理由です。

富山のイメージは胡弓

高校を卒業して、唄以外の何かを身につけたいなあ、と思ったとき、三味線かなって思いもあったんですけど、富山なら胡弓でしょ、みたいな感じです（笑）。

県外の方とお話しさせていただくと「胡弓っていいよね」って、よく言われるんです。

胡弓の音を本場の富山で、八尾で聴きたい、風の盆で胡弓を聴きたいって人はとても多いんです。

日本一に輝く唄声の持ち主でありながら、三味線も胡弓も演奏する優さん。そんな優さんだからこそわかる、胡弓の特長、魅力について尋ねてみた。

三味線が弾ければ、胡弓はすぐに弾ける!?

「三味線は難しいんだよね〜」って言う人は多いけど、胡弓は「スゥ～」って感じで優雅に弾いていらっしゃるので、三味線よりも簡単なのかなあって、実は思ってました（笑）。三味線は空振りして音が出ないことがあるけど、胡弓はそんなことないから簡単なんじゃないかって。

はじめてみたら全然そんなことなくて、ひとつひとつの音を「綺麗に」だすのが、三味線以上に難しい。今もまだまだまだ、って感じ。

音と音の間でずっと続く音を、どう綺麗に響かせるか？　そして音を、どう切り返すか？　そこが難しく、三味線と大きく違うなって感じます。

音の深さみたいなのが、ちょっとした手の動かし方で変わってきたりとか、やればやるほどハマっていく。理想の音がどんどん遠ざかっていく、やればやるほど、どんどん難しさが分かって、理想のゴールは遠いなあ、という感じです。

胡弓が民謡を知るきっかけになる

私が師事している倉本先生は「やりたいことからはじめましょう」という指導方針です。民謡の伴奏ができたらいいな、と胡弓を学びはじめたので、「おわら節」や「こきりこ」「麦屋節」など、富山の民謡を中心に学びはじめました。

最近は「ふるさと」などの抒情歌をやってます。抒情歌の練習は、民謡を弾くときも活かされる、と感じています。

美空ひばりさんの「悲しい酒」「真っ赤な太陽」なども練習してます。

私が呼んでいただく民謡の舞台はご高齢の方が多いので、そういった選曲になるのですが、若い人にも馴染みがある曲、若い世代が知っている曲も演奏していきたいですね。

若い人に民謡を聞いてもらいたいというのはすごいあるんですが、唄だけだとなかなか難しいところがあるんです。でも胡弓だったら、若い世代の音楽も弾けます。

胡弓を聴いた若い世代が、この楽器は何？となったとき、おわら節などの民謡で使われている楽器、と知っていただけることになります。

胡弓は、若い世代が民謡を知る入り口、きっかけになるのでは、と思ってます。

日本の心の歌をテーマに、感動を与えられる演奏をしたい

日本の抒情歌とオリジナリティを大切にする独自のスタイルで、30年以上にわたり胡弓の新たな世界観を切り拓いてきた倉本さんは、胡弓界のフロンティアにひとりとして、コロナ禍も能登半島地震も乗り越えて、さらに力強く前進しようとしている。

shami1000rakuya.com

20代前半で民謡日本一を奪った若きチャンピオンが優さんにとって、改めて、胡弓の存在とは何か？その距離感について尋ねた。

他の人と何が違うか？　私にとってそれが胡弓

民謡の日本一といっても、毎年ひとりずつ増えていく。そうすると、唄以外に何ができるか？が武器になる。私の場合、それが胡弓なんだろう、と思います。私にとって胡弓は、重要な存在ですね、武器として。

どれくらい練習しているか？と聞かれると、、、、唄は毎日、基本的に１時間くらい練習するんですけど、胡弓は毎日はできてない（苦笑）のが現状です、

先生のところへ行く前の一週間くらい前から結構みっちりやるのかな。。一日に一時間、一週間毎日続ける、といった感じですかね。イベント等での演奏があれば、休みの日にまとめて練習したりしてます（笑）。

民謡を知ってもらって次の世代に繋ぐことを使命として取り組む中村優さん。今後の展望についてうかがった。

大袈裟でなく、ステージになじむ音

唄の仕事をいただいたとき、基本的には伴奏を別の方にお願いしてますが、将来的には、自分で弾き唄いができるくらいになりたいな、というのはあります。

中村優ワンマンステージ、みたいなのがあるとすると、もちろん唄がメインですが、胡弓だけの演奏もできたらいいなって思います。

三味線をソロで聴かせようと思ったら、津軽三味線を演奏するみたいな、ちょっと大袈裟な感じになるんですが、胡弓はソロで聴かせて空間や時間にしっくりとなじむ。これは大きなメリットです。津軽三味線は家に眠らせてあるので、いつかは弾きたいと思っていますけど（笑）。

すごく珍しい楽器、その希少性が最大の魅力

胡弓はバイオリンみたいにいろんな曲が弾ける、とても懐が深い楽器と思います。

そして一番の魅力は、富山にしかないってことですね。

私は富山出身だからこそ、他の県にはないものとして自分の武器になるなって思います。

富山にいたら当たり前すぎて気づかないんですが、他の県からしたらすごく珍しい楽器。その希少性が最大の魅力ですね。

基本情報

中村優（なかむらゆう）

富山県富山市出身・1995年10月2日生

問い合わせ・r-yuu.1002@ezweb.ne.jp

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・アピアカルチャークラブ／うたって民謡教室

バイオリン　＜　ビオラ　＜　チェロ　＜　コントラバス

と分類されます。その一方で、日本の擦弦楽器「胡弓」はサイズが違っても、みんな「胡弓」。
分類やサイズによって〇〇胡弓と通称は変われど、それってどういう意味？についてまとめます。

用途や時代によって変化

胡弓を分類する際に、以下の２つの観点が考えられます。

①用途による呼称
②サイズによる呼称

実は、同じ用途でもサイズが異なることが胡弓（に限らず和楽器全般）にはあります。とはいえ、わかりやすく分類するために、一旦②は置いておいて、①で分類。シンプルに３種類（＋α）に分けます。

古典胡弓

江戸時代以来の胡弓の基本形。当時から受け継がれる伝統曲を演奏する際に使用されるもの。サイズは全長70〜75センチ前後で、ほかに比べて小さいことから、おしなべて「小胡弓」と通称されることもありますが、サイズには多少の差異があります。地唄や義太夫といった伝統芸能に取り組む人、また、何事も基本や伝統を踏まえたい方が手にするとよいでしょう。

おわら胡弓

富山県八尾町に江戸時代末期からあるとされる「越中おわら節」を演奏するために、古典胡弓から進化した胡弓。おわら節の愛好家らが胡弓に様々なアレンジを加え、結果的に現代音楽にも通じる汎用性の高い楽器として現代まで進化を続けています。サイズも形も弾き手によって異なり、様々なスタイルが存在しますが、20世紀末頃には、おわら胡弓としての完成形ができたとも考えられます。一般的に古典胡弓より大ぶりで、表面に四つ皮、裏面に犬皮を張ることで独特の共鳴を生み出します。（おわら胡弓について詳しくは、別のトピックにて）

宮城胡弓

日本の作曲家・箏曲家である宮城道雄（みやぎみちお、1894年/明治27年〜1956年/昭和31年）が開発した大ぶりの低音胡弓。他の胡弓よりもひとまわり大きく、そのサイズから一目瞭然。大胡弓とも呼ばれます。主に宮城道雄が作曲した合奏曲で使用されます。

写真左から「おわら胡弓」、宮城胡弓の開発者・宮城道雄(出典：国立国会図書館「近代日本人の肖像」)、沖縄の胡弓・クーチョー

番外編

天理胡弓

天理教の宗教儀式で使用されるもの。奉納やおつとめで演奏されるもので、サイズは古典胡弓に準じますが、流通量が多いからか、このサイズをおしなべて天理胡弓と呼称する人が多い気がします。

四弦胡弓

沖縄で使用される擦弦楽器に「クーチョー」がある。三線（サンシン）は沖縄人気や沖縄ポップスの普及によりよく知られるようになりましたが、その三線と同じように、胴に蛇皮を張ったもの。もともとは三線と同様に三弦だったようですが、四弦タイプが普及しています。一弦よりさらに低い音を加えたもので、プレイの音域を広げるものになっています。
このクーチョーと同じように、低音域を拡張した四弦胡弓を使用するプレイヤーに、木場大輔さんがいます。古典から現代音楽まで、幅広く演奏する木場さんによって、胡弓の新たな歴史がはじまる、かも。そんな可能性を感じる新しいタイプの胡弓になっています。
一方、三の糸を複絃（二本）にして、合計四本という胡弓が、江戸時代中期からありました。藤植（ふじうえ）流胡弓として、今日に受け継がれています。

サイズについて

古典胡弓と宮城胡弓は、いずれも地唄の世界で使用され、大きさによる違いから「小胡弓」「大胡弓」と呼び分けられています。地唄以外の世界では、（大胡弓が存在しないので）小胡弓のことをただただ「胡弓」と呼び、宗教行事で使われる場合は「天理胡弓」と呼ばれます。一方、おわら胡弓は「小」でも「大」でもないことから（他の２つとはジャンルが異なるので単純に比較して「中胡弓」とは呼ばずに）、「おわら胡弓」という特殊な名前で呼ばれています。三味線でいえば「津軽三味線」のようなものでしょうか。特異な進化を遂げているため、他の胡弓とは次元が異なる通称が冠せられた特別感のある胡弓となっています。

用途による違いで分類したというだけで、基本的な構造はどの胡弓も同じ。古典胡弓を基本としながらも、それぞれの用途によって、また時代によって試行と変化をくり返した結果、いくつかの分類が生まれた、と考えられます。

多様であって然るべき

胡弓と同じく三本の糸を使う三味線にも、色々な呼び方があります。長唄三味線、地唄三味線、義太夫三味線、津軽三味線…等、用途によって生まれた呼び方もあれば、細棹、中棹、太棹といった、大きさや形によって分類される呼び方もあります。「ややこしや〜」と思うこともありますが、これも日本の歴史を考えると当然のことなんですね。

わずか300年ほど前の江戸時代は、隣の県は違う国。異なる言語や習慣やシステムで暮らしていました。明治時代に同じ国になった後も、江戸時代までの呼び方や慣習が残って当然。そのため、三味線や胡弓にも、それぞれの地域によって異なるサイズや仕組み、呼び方があって、それらが習慣として今日に受け継がれている、というわけです。
胡弓に限らず、和楽器に取り組む際には、我が国にも江戸時代まであった、多様な暮らしのスタイルを前提に理解を進める、というスタンスが必要、といえます。

本来、音楽は多様であって、それを奏でる楽器にも多様なスタイルや呼び方があって然るべきなんですよね。それを日本の学校教育では、小学校に入った途端に「ドレミファソラシド」による授業や、古典クラシック絶対主義的な教えた方をするものだから、音楽の多様性が失われ「こうじゃなきゃ」いう考え方が潜在的に植え付けられてしまう日本人が多い、と思ってしまいます。楽器の名前も、サイズが違ったり、呼び方が異なったりすると混乱しちゃう？のではなく、そもそも、楽器も多様であって然るべき。胡弓のサイズや呼び名が色々あるのも、そういったこと、と考えると納得、ですよね？

↑「古典胡弓」と「宮城胡弓」は、同じ「胡弓」でも大きさはこれだけ違う。

「なにか楽器をやりたい」そう思ったら、あなたはどの楽器を選びますか？

世界中の料理が楽しめるように、多種多様な音楽や楽器が楽しめるようになったこの国・日本において、パスタでもカレーでもハンバーガーでもない、お寿司やすき焼き、ラーメンを選ぶあなたは、和楽器がオススメです。

ピアノにギター、パイオリンやトランぺット…、いろいろあるけど、これからの時代はズバリ！和楽器!!という理由についてお伝えします。

そしてやっぱり、これからは胡弓がねらい目？

こんな人にオススメ！代表的な５つのタイプ

①スタイルを楽しみたい

どんな楽器にも、そこからイメージするスタイルがあります。例えば、ピアノだとクラシック、ギターだとロック、ドラムはジャズ（著者の場合です）みたいな、楽器の背後に浮かび上がるイメージがありますよね。あなたがもし、着物を着て和室でおっとり、時には優雅に、そこから一変して、着物を振りかざして激しく、強く…といった「和」を基調としたイメージを楽しめるならば、和楽器がオススメです。琴や琵琶、三味線や胡弓、笛や太鼓といった和楽器は、日本という風土のなかで育まれた暮らしのリズムや、大和から長く続く世界でも稀な歴史の中で生まれた音をつなぐ「楽（がく）」の世界です（音楽という言葉は明治時代以前はなかった、と言われています。これについては別のテーマで）。「和」そして「日本」という大きなイメージを楽器を通じて感じたい、楽しみたい、というあなたは、和楽器の世界へ、ぜひお越しください。

②海外に住みたい、海外に住んでいる

「グローカル」という言葉が使われて久しいですが、この言葉を借りると「global（地球規模）」で活動したいなら「local（地域）」を知ろう、つまり「海外に行きたいなら、日本のことをもっと知ろう」ということ。あなたがもし日本人なら、海外で活動するときに、日本人であることを証明をする必要に迫られる時が必ずやってきます。必ず、とは言わないまでも、日本人であることをわかりやすく示した方が有利になる場面が多いことに気がつくことでしょう。世界のどこかにいるあなたが和楽器を演奏して、そこに文字通り「和」が生まれるとするならば、あなたの海外ライフはほぼ成功していると言えるのではないでしょうか。音楽は言葉を超え、国境を飛び越える力があります。どんな楽器にも、その力は宿っています。とはいえ、日本人であれば日本の楽器を演奏するのが、最もわかりやすくあなたのアイデンティティーを伝える手段となります。海外に住みたい、行きたい、地球規模で暮らしたい、という方は、迷わず、和楽器です。

③人と同じが嫌い、珍しがられるのが好き

ピアノが最も普及している国は、日本と言われています。習い事の代表格にピアノが挙げられるのは、昭和の高度成長期から今に至るまで、あまり変わっていないようです。大人のピアノ教室まであり、この国のピアノに対する執着は異常なほどです（おそらく学校教育の影響かと）。そんな奔流に違和感を感じたり、人と一緒じゃつまらない、と思っているあなたは、和楽器がオススメです。なんてったって和楽器人口は希少ですから（自虐含み）。

人と同じ毎日が退屈な方、通りいっぺんの経験に飽きはじめた人、周りとは違った時間を楽しみたいあなたは、和楽器を選ぶべきです。

④音楽の授業が苦手だった

「音楽は苦手…」と自己分析する人が、結構な割合でいます。ズバリ、小学校の音楽教育のせいです。その自己分析を単に「音楽の授業が苦手」だった、と置き換えてください。幼稚園や保育園児が音楽にあわせて楽しく踊る姿を想像できる方は多いと思います。みんな、あんな風だったハズです。それを小学校に入ったら、難しい五線譜を読まされ、軍国主義的なクラシック音楽を聴かされ、恥じを忍んで人前で歌わされるうちに「音楽が苦手」と勘違いさせられる人が多いのではないでしょうか。音楽という人生を楽しむためのエッセンスを、小学校で失ってしまった悲劇をくり返さないためにも、ぜひ、和楽器を手にしていただきたい。多様な音楽世界の中で、小学校の学びはほんの一部です。楽器は五線譜が読めなくても弾けます。特に和楽器は、義務教育で教えた西洋音階とは異なるアプローチで構成されています（西洋音階が使われるようになったのは明治時代以降です）。音楽が苦手、と感じている人ほど、和楽器を通じて音楽の楽しさを取り戻して下さい。

⑤コスプレ好き、コスプレをしてみたい

着物を着るだけで、非日常を味わえます。着物をはじめとした和装を身につけるだけで、あなたは大勢のファンを獲得できるコスプレイヤーに変身できます。着物はコスチューム、そして、和楽器は武器です。この２つを身につけると、ハッキリいってあなたは無敵です。コスプレしてみたいけど、ちょっと恥ずかしい、という人も、着物なら胸を張って仮装できます。人から注目を浴びる快感を味わって、いつもと違う自分に変身したいあなたは、和楽器を手にしてください。

そんなあなたにオススメの楽器は？

ひとえに和楽器といっても、色々あります。では、あなたはどの和楽器を選ぶか？　代表的な和楽器（大いに独断と偏見です）を５つの視点から分析して、その特長を挙げました。あなたはどの和楽器に惹かれますか？

琴

弥生時代の遺跡から発掘されているほど、日本で最も古い弦楽器。奈良時代に雅楽とともに中国から「箏（そう）」が伝わって以来、宮廷楽器として日本の歴史を彩ってきた。江戸時代に再興され、生田流と山田流の２つのスタイルが確立され、現在に至る。

笛・尺八

奈良時代から雅楽で使用されてきた龍笛（りゅうてき）や篳篥（ひちりき）から、歌舞伎で使用される能管や篠笛、全国各地の祭りで使用される横笛など幅広いが、特に尺八は日本独自の価値観があり、世界でも人気がある。

琵琶

奈良時代からあり、日本でももっとも古い弦楽器。平家琵琶、盲僧琵琶、薩摩琵琶、筑前琵琶があり、それぞれ独自の歴史や奏法を重んじることから、同じ琵琶でもなかなか相入れないことも。和楽器のとしての独自性はピカイチ。

三味線

江戸時代の長唄三味線から、昨今の津軽三味線まで400年かけて少しずつ進化を続けている和楽器。ジャンルによってスタイルが異なる、というより、時代に応じて様々なジャンルが生まれて、その時代の人々によって愛され続けている和楽器。

和太鼓

舞台芸能としては、わずか半世紀ほどの新しい和楽器。リズムと様式を組み合わせたシンプルで力強い展開で、世界で最も知られる和楽器に急成長。世代の変わり目で、今後どう展開するかによっては、さらに成長するか？あるいは、収束するか？注目されるところ。

そんななか「胡弓」がオススメの理由

伝統芸能の世界において「流派」という言葉をよく耳にすることでしょう。これは伝統を継承する仕組みとして、日本独自のシステムで、日本人の「性（さが）」なのでしょうか、群れたがる、他と異なる線引きをしたがる、という状況を生みやすい性格があります。「かつては」とか「家元が」など引き合いに出されると、日本人はついつい同調しちゃうんですよね。そのために連帯感が強まり、特異な芸能を今日まで受けつくことができた、という功績がある一方で、周囲と交わり難いシステムを構築してしまう一面を生みやすいのが、この「流派」という仕組みです。多くの和楽器は、この「流派」と切り離して考えずらい一面があり、純粋に和楽器を楽しみたい、という真っ直ぐな思いが、「流派」によって犯される局面が稀に（かつては、よく）あります。歴史がまだ浅い和太鼓や津軽三味線、沖縄三線にも「流派」が形成されつつあり、この組織体が心地よい人々にとっては良いですが、そうでない人にとっては、ちょっと煩わしい時があります。その点、胡弓は歴史は長いようで浅く、今のところ胡弓における「流派」は存在していません（他の芸能と結びついて流派を名のるものはあります）。流派を気にせず、純粋に和楽器を楽しめるのが胡弓、これからまったく新しい時代を切り拓けるのが胡弓の魅力、といっていいのではないでしょうか。胡弓は流派に関係なく自由に演奏してよし、一方で、もしなりたければ、家元にもなれる？それが胡弓という楽器です。

ちなみに、胡弓をチャートで表わすと、こんな感じ。すべて筆者の独断であることをお許しください。

お稽古ではなく、レッスン

和楽器や武道を習得する際には「お稽古」という言葉が使われます。「お稽古」という言葉がもつ意味を調べてみると、

古（いにしえ）を稽（かんがえる）という意味。
先人の教えについて工夫、研究するということであり、それについて「考える」こと。

単なるレッスンや習い事と違って、古くから伝わる先例を学び、ものの道理や決まり、習わしについて「考える」という意味が多分に含まれています。
確かに、和の習い事は、大いに「考える」必要がありました。なぜなら「見て」学ばなければいけなかったからです。和の伝統に関わる人々は、そのやり方や方法論について誰も教えてはくれなかったのです。いわゆる「習うより慣れろ」の世界。とにかく見て、考えて、慣れることにより習得するしか、かつてはなかったのです。
和楽器についても然り。師匠の手をみて、音を聞き、考えながら真似をすることによってのみ、芸を手に入れることができました。

しかしこれも、昔の話、になりつつあります。
まず「文化譜」なるものが登場したことにより、師匠の手の動きが紙の上に数値化されました。その数値をより合理的に記録するために「譜尺」が登場し、これまでリアルな動きとして聞いて、目と耳で学ばなければ理解できなかった音の流れが、数値として記録され、誰もが反復できるようになりました。このことにより、和楽器でも「リモート」で習い事ができる前提が整った、というわけです。

実際のところ、昨今はリアルなお稽古でも、師匠の手を見ずに、譜面と譜尺をにらめっこしている生徒さんが多いように思います。情報過多な時代に「頭で考える習慣」がついちゃっているのか？　あるいは、義務教育の現場で譜面を読み解く習慣がついてしまったか、リアルな動作を「見て」。音を「聞く」ことによって学ぶ能力が衰えている気がします。そういった意味でも、「リモート」を受け入れる土壌がすでにあったのかもしれません。

言うまでもなく、和楽器の醍醐味は、楽譜で表現できない音や間（ま）です。それらは、今も昔も、師匠と対をして「お稽古」することでしか得がたいものです。したがって、昨今のリモートで再現されるのは、お稽古ではなく、西洋由来の「レッスン」という表現が正しいのでしょう。お稽古ではなく「レッスン」であるとすれば、これまでなかったメリットが、リモートレッスンではたくさんあります。まずはそのメリットから見ていきましょう。

時空を超えて学べるメリット

例えば（私のような）地方に住んでいながら、長唄三味線を東京都在住の師匠に習うために通う、とか、津軽三味線を習得するため弘前まで通う、といったことは、今も昔も聞く話です。「通う」ためには、そのための交通費が必要です。しかも往復で。住んでいる場所によっては、この金額はお稽古代以上に膨らむわけで、「通う」たびに積算される交通費の金額は、いつしか楽器のそのものの代金をはるかに超える金額になります。お金だけでなく、往復にかける時間も必要です。遠方の先生に習う、ということは、お金と時間において、かなりの投資です。リモートレッスンは、このお金と時間が「節約」できるのが、最大のメリットです。自宅にいながらにして、どこに住んでいようが（国内であろうが、海外ですら！）ＰＣやスマホ等のディスプレイを通して、先生が目の前に現れるわけですから、これはもう、魔法の世界です（笑。

海外ですら簡単に繋がれるわけですが、このメリットは遠方に限ったことでもありません。人と人がリアルに出逢おうとすると、当たり前に移動が伴います。３分であろうが、３時間であろうが、移動に関わる時間は、レッスンに自分の時間を投資していることに変わりはありません、リモートレッスンは、それがほぼ「皆無」です。だって、先生が目の前に現れるわけですから（笑。移動に変わるお金と時間を節約して、住んでいる場所に関わらず時空を超越して学べるのが、リモートレッスンの最大のメリットと言えるのではないでしょうか。

他にも、レッスン内容を録画できるというメリットがあります。録画内容を何度も見直して復習ができるというのは、レッスンにおける大きなメリットとなります。ただし録画の可否は、使用するアプリケーションや契約状況にもよりけり。そのほか、録画には先生の許可が必要ですし、録画内容の使い回しや二次使用等がないよう、教室間での取り決めが大前提となります。

録画に限らずとも「記録」という意味においては、リモートが有利です。対面で行われるレッスンでは、都度、メモをとったり、録音したりというのは、気が引けて好機を逃したり、先生や周囲に気を使って遠慮することがあります。もっとも対面レッスンは、「記録」ではなく「記憶」に頼る傾向があります。ところが、自宅に帰ってレッスン内容を思い出そうとしても、なかなか思い出せず身につかない、と損をした気分を味わう方も多いのではないでしょうか。その一方で、ディスプレイと対峙するリモートレッスンは、先生の目を気にすることなく、メモをとったり、パソコンのキーを叩いて大事なことを「記録」することができます。対面レッスンではなかなか気が回らない「記録」作業を、離れた場所では遠慮なくできる、というのも、リモートレッスンのメリットかもしれません。

最大のデメリットはタイムラグ

一方のデメリットについて、wifiやアプリ等の環境要因によって、レッスンのクオリティが低下するリスクがある、といったところでしょうか。レッスン途中で通信障害や、原因不明のフリーズ、なんていうことも起こりかねません。リモートレッスンの場合、通信の確認や不具合の調整に、少なくとも１回のレッスンにつき４〜５分は費やされる、と見積もっておくのがよいでしょう。運良く通信に問題がなかったとしても、そのようなリスクに常にさらされていることがストレスになって、レッスンへの集中力が下がるとすると、リモートレッスンは避けた方が良いかもしれません。

仮に最善の環境でレッスンが行われたとしても、通信を介在している以上、タイムラグはどうしても生じます。先生と生徒が完全に同じタイミングで演奏する、ということは、この原稿を書いている2024年４月現在においては、まだ叶わない状況です。仕事や日常生活で頻繁にリモートを使用している方も、レッスンにおいては通常とは異なるストレスが生じる、ということを念頭に置いておくことが必要です。
ただし、これも時間の問題かもしれません。リモートレッスンにおけるこれらのデメリットが解消されるのは、そう遠い未来でもないような気がします。

リモートと〇〇とのハイブリッド

メリットとデメリットを天秤にかけたとき、さて、あなたはどう考えますか？　現段階のリモート環境ではレッスンは成立しずらいのでリモートは無理、と考える方もいることでしょう。でも、ここでは、リモートのデメリットを補完することで、メリットを最大限に引き立たせ、リモートレッスンを有効に活用できる手段がないか？について考えてみましょう。
前述したいように、リモートのデメリットは、wifiやアプリ等の環境要因によって引き起こされるリスクです。では、それらを介さない「何か」とかけ合わせたハイブリッレッスンはいかがでしょう？

①リアルとのハイブリット
２回に１回、あるいは、半年に１回や年に１回でも、可能なときはリモートではなく、リアルでレッスンを受けるハイブリット。リモートでは確認できない、あるいは、とり逃がしている情報を確認しに行くことで、通信によって生じた不明点やストレスを解消。そのことで、リモートによるタイパ＆コスパをさらに向上させることができます。

②リアル録画とのハイブリッド
先生がレッスンをしている現場で、その様子を録画していただく方法。ZoomやGoogle Meetsの機能に録画機能はありますが、これらは通信ソフトを介している以上、通信環境によるタイムラグと不具合もそのまま録画してしまいます。これを解消するには、先生側で録画していただくしかありません。レッスンのすべてを録画とまではいかなくとも、課題曲や大事なポイントなどについて、先生に録画していただき、そのデータを送っていただく、という方法とのハイブリッド。レッスン内容の復習や反復練習にも効果を発揮します。先生の協力が大前提。

③動画とのハイブリッド
先生によっては、前もって動画を準備しているところがあります。②のようにレッスン内容を録画するくらいなら、演奏動画を最初から準備しておくほうが得策、と先生も考えるわけです。動画があれば、リモートレッスンの前に予習して、不明点などをリモートで確認する、あるいは、リモートレッスンをした後に、課題曲を動画で復習する、といったレッスンが成立します。通信環境に頼らない「動画」という教材とのハイブリッド。

リモートのメリットが大きいと感じる人が増えれば増えるほど、そのデメリットを補完する「何か」が増えるかもしれません。その「何か」に、デメリットを補完するに余りあるくらいの効力があれば、リモートによるレッスンのほうが効果的、と思える人が増えるかもしれません。

いずれにしても、冒頭で述べたように、それらは「レッスン」であって、和楽器が古来から親しんできた「お稽古」でないことが前提。それぞれの方向性や考え方に応じて、お稽古がよいか、レッスンがよいか？　さらには、リモートかリアルか？といった習得の方法を選択していかれるとよいかと思います。

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インタビュー

インタビューを行った名古屋市内の工房には、音人さん自身が創作した楽器がズラリ!! まずは片っぱしから、楽器についての説明を話をうかがった。

すべての擦弦楽器の原型は「棒」でこすって音を出す!?

（ひとつ取り出し）この楽器を「けいきん」といいます。バイオリンを含めたすべての擦弦楽器の原型なんですね。擦って（こすって）音を出す楽器の原型と言われています。何と！棒でこすって音を出すんですね。遊牧民が木の生えてない草原と砂漠地帯に行った時に、棒にする木がないので音が鳴らせないと困っていたところ、弓矢を使う民族だから、弓で音を鳴らしたのが今につながる「弓」の原点、という歴史がありますね。

アラビア・ペルシアを経由してヨーロッパでバイオリンになり、逆に東南アジアを通って東へ伝わったものが、中国の二胡、日本の胡弓になったという風にね。タイに「回転奏法」を使った楽器がありまして、それが沖縄のラヘイカになり、天正遣欧使節団が擦弦楽器を日本に持ち込んだ影響もあり、江戸後期に三味線型の胡弓、または、三味線を弓で奏でたというのが胡弓のルーツ、というのが僕は正しいと思ってます。

一弦胡弓に低音胡弓、トンコリまで

一方、この楽器はアイヌの「トンコリ」。指で弾くとされる楽器なんだけども、どうも弓で弾いたんじゃないか？という推測があって、それを再現したのがこちらの楽器。本当はもっと小さいんだけども、これでバッハのチェロ組曲が弾きたくて、ちょっと大きめに作ったんです(笑)。

あと、あれだな〜、アイヌの一弦胡弓を復活をさせて、スチール弦を張ってみたけど、いい音が出ますね〜（音人さん演奏♫）。結構優秀なんですよ、これ。ほとんどの曲がカバーできますね。めっちゃシンプルで、すごく安定してます。これにエレキのようにコイルをつけてエフェクターにつなげば、シンプルなんだけれども、どんな音でも出せます。

玲琴（れいきん）って楽器をご存知ですか？100年ぐらい前に考案されて、幻になってしまった低音胡弓なんですけどね。日本海の深い大きな波を表すには、胡弓の音域はちょっと高いので、中低音のいい音を出したいということで、チームを組んでやった楽器です（演奏♪）。１オクターブ低いですよね。これがほぼ滅びていたので、復活させましてね。弦はチェロの弦。木はね、東北の被災した松を使っているんですが、桐の木か、それから杉の木でも多分いい音が出ますね。こういうのを復活させたりします。

すべての楽器をご自宅の玄関で創作する！という音人さん。その原動力はどこから湧き上がってくるのだろうか？

滅びた音が僕の手によってよみがえる

失われた音とか、滅びた楽器を復活させ、良い音色に仕上げる、というのが僕のテーマ。いろいろとやっていくうちに、デザインがもっとあってもいいんじゃないかとか、いろいろと次のテーマや道標が出てくるじゃないですか。そうやって、どんどん追求したくなって、楽器を創作することが増えていきました。気づけば博物館並みなんだけど、そもそもは博物館にないものを作ろう、というのがテーマ。誰もやってない世界が、僕が関わることによってよみがえる。胡弓も、そういう思いからはじまりましたね。

「音の人」と書いて「ネヒト」。そこには、音を「創作する」人という意味が込められている。その芸名のルーツや活動の原点、現在に至るまでの創作や演奏に込める思いは？

世界中の音楽をやっていたら、日本にたどり着いた

1000年以上前になりますが、大江音人（おおえのおとんど）という貴族がいて、地元の神社の設立に関わっていらしたようなんです。平安時代初期から前期にかけての公卿であり、学者でもあったようで、これも何かの縁だろうと、そこから名前をお借りしたところから、芸能活動をはじめました。若い頃は教員をしながら音楽活動をしていたんですが、当時はまだ、胡弓を弾く人も珍しいということと、津軽三味線も弾いていたので、二刀流でなんとかやっていけるんじゃないか、ということで、音楽事務所を立ち上げましてね。有限会社音人ボーダーレスサウンドクリエイトと名前をつけて本格的にスタートしたのが、西暦の2000年のことです。

もともとね、マコンデというアフリカ彫刻が好きで、その流れでフラメンコやフォルクローレのバンドでギターを弾いていました。そうやって世界の音楽をやってるうちに、その国の人たちが自分たちの国の音楽を大事にしていることや、それを奏でる楽器を大切に守っていたり、さらには、滅びた楽器まで復元して演奏する姿に憧れて、「日本の楽器でも同じ道を！」とギターから津軽三味線に持ち変えたんですね。津軽三味線発祥の地である弘前の全国大会へ出場したり、地元のイベントに参加しながら腕を磨いているときにね、偶然、控室で出逢った年配の女性が胡弓を弾いていたんですよ。「不思議な音色だなあ。まだ仕上がっていないような、胸がざわざわする不思議な楽器」というのがその時の印象。「宝石の原石のよう」そんな思いがして、この音に取り憑かれました。それから、胡弓のプロというと数人しかいなかったうちのお一人に弟子入りしました。

宝石の原石をこの手で磨く、それが胡弓へのアプローチ

音色が仕上がっていない、それをこの手で仕上げるというのが私の胡弓へのアプローチであり、魅力です。世界中にある様々な楽器には、音として完成されたレベルにいってる楽器と、まだ未熟な形、まだ途上にある楽器っていうのが、それぞれあるんですね。その材質や形状から、これ以上ないくらいに仕上がった楽器は、例えば、バイオリン、ピアノ、それからフルートとか。オーケストラに使われているような洋楽器は、そういう最終の形になっているんですね。そう考えると、胡弓はまだ未熟な点が非常に多かった発展途上の楽器、なんですね。そんな胡弓を、美しい音色で素晴らしい楽器に仕上げたのが「おわら」の歴史ではありますよね。

おわら風の盆が行われる富山県八尾町へ何度も足を運んで研究をしたという音人さん。おわら胡弓との関わりから、おわらが担った歴史的な位置づけについてお話をうかがった。

おわらが胡弓に与えた功績は非常に大きい

最初は、2002年。おわら胡弓の名人として謳われていた伯育夫さんに逢いにいきました。僕を追っていたテレビの撮影と同時進行だったんですけども、色々と教えていただきましてね。「日本の胡弓という楽器において革命的な進化が起こっている」というのがその時の印象ですね。伯育夫さんから学んだことは、まず、駒の重さ。形状もそうなんですけど、駒は重さが重要なんですね。どうしたら美しい音色になるか？ということをずっと考え続けて、煤竹がいいだとか、２〜３枚張り合わせて削ってみたりとか、天麩羅にしてみたとか(笑)色々と実験をくり返して生まれたのが、あの形や厚み、そして重さということなんですね。

そして、さらには弓の改良。わずかにねじ曲がっているんですね。弓を握らなくても、毛だけが当たって滑り落ちる。握らなくても音が出るので、指先の表現がすべて伝わる。これはもう大発見なんですね。僕もオリジナルで弓を作りますが、おわらの形を再現するのに少なくとも３〜４年、20〜30本つくってやっとわかるようになった、ということろです。楽器の進化だけでなく、名だたる演奏家たちが独自のテクニックを磨きあげて、素晴らしい演奏技術を今に伝えていらっしゃる。おわら風の盆の演奏スタイルが、胡弓という楽器に与えた功績は、非常に大きいと感じました。現在のおわら胡弓は、形状や大きさから見れば、越中おわら節、そして、民謡を弾くうえでの完成形といっていいのではないでしょうか。

その一方、いろんな曲を弾こうと思うと音域の問題がでてくる。そのため、ジャンルによって形や大きさの異なる胡弓を使ったり、四弦胡弓があったりと、ひとえに胡弓といっても、様々なバリエーションがある。楽器としても、演奏方法としても、まだ発展途上というか、開発の余地があるところが、胡弓の魅力になっているんじゃないでしょうか。

研究者としての話題に興味は尽きませんが、プレイヤーとしての話も。多彩なステージを展開されている音人さんですが、自身の演奏ではどの胡弓をメインに演奏される？

楽器をたくさんつかって雰囲気を変える

一人でステージをやる場合は、曲にあわせて最適な胡弓を使っています。同じ楽器で弾いているとステージの雰囲気が変わらない。アッと驚かす何かっていうか、シーンが変わることがないと、聴いている人が別世界へ行けない。そのため、楽器をたくさん使って雰囲気を変える、ということをやっています。

先日も一人のソロで９０分という演奏講演を行いました。この時は、風の盆の胡弓パートと石川さゆりさんの「風の盆恋歌」の組み合わせた編曲のソロで開始しました。この後、輪島塗器を使用した丸同大胡弓を使い、棒で胡弓のルーツのストレート弦の胡弓を奏で、ヤシの実銅の沖縄胡弓タイプの丸銅大胡弓で締めくくりました。

一曲ごとには、その曲の世界を作り上げることで観客を魅了することに全力を注ぎ、複数の胡弓を使い分けることで、単独公演を構成・演出します。

他の楽器と一緒につくるステージでは、最近一番多いのはね、この丸い胴の胡弓。この胴は、沖縄の椰子の実。表面に桐の木を張って、糸はスチール(苦笑)。。。糸に関しても色々と研究をして、絹が抜群に良いということは結論としてあるんですね。バイオリンやチェロの弦はもちろん、羊の腸なんかもを含めて何十回も弦を取り替えてわかったのは、特に高音域で綺麗な音が出るのは絹糸なんですね。

日本だけでなく、絹糸は「シルクロード」の楽器の原点なんですけども、今はみんな絹をやめてスチール。だからこそ、今も絹を使っている日本の胡弓はとても貴重なのですが、安定感だとか、屋外でやるという環境要因もあって、この楽器ではやむなくスチールを使ってます。あと、絹糸は低い音域で美しさが発揮されないですね。

実は、低い音域で絹糸の魅力を引き出すには、重い駒に変えたらいいんです。三味線で言えば、義太夫や浄瑠璃三味線の駒に鉛が入っているでしょ。鉛があることによって、低い音が綺麗に響くというルールは、実は胡弓にも当てはまる。僕はね、駒で低い音を出すために、駒に小さな重りを貼って調整しているんです。高温のちょっとうるさめなノイズもカットしてくれるということで、重りをつけた駒を使うことがありますねえ。

被災地での演奏や支援も活動の柱にされていますね。

被災地支援が活動のひとつの核

東日本の震災の後に僕が行ったのは、三週間と四週間目の間だったんですね。たまたまですが、あの地震があった10日後に、もともと予定していたリサイタルがあったんです。その時に集まった募金や、ＣＤを買っていただいた収益を届けに行きったわけですが、遺体がそのまま埋葬されている場所で演奏したり、供養ですね。お経代わりに弾いてきました。そしたら母親がここに眠ってますからここで弾いていただきたい、という方がみえたりして、鎮魂で演奏してきました。震災の一年後にも行ったら「今日は法要で辛くて聴けない」って、最初は断られたんだけども、その後に電話があって「鎮魂のゆうべ」ということで胡弓を聴きたいとおっしゃっていただいて。そしたらみんな涙ながらに胡弓を聴いてくださった。胡弓が奏でる旋律は、祈りの音色であり、鎮魂の音色なんですね。これは三味線やバイオリンにはない、胡弓の力かと思います。

東日本大震災については、あわせて20回ぐらい、100カ所以上回って、その土地の素材を使って楽器にするというテーマで、松を使ったり、原発事故で帰れなくなった相馬の焼き物を胴体に使って胡弓を作り、作った胡弓を地元に寄贈したりしました。今後も被災地支援というのは、僕の活動のひとつの核になると思います。

もと教師だった音人さんの胡弓教室は人気で、15年以上通い続けるファンも。教室の現状と今後の目標は？

胡弓はすごい可能性を持っている

今通ってくれている生徒さんは30数名ぐらいかと思います。長い生徒さんで、15年ぐらい通ってくれてますね。最初は童唄からはいって、ポップスや歌謡曲とか、最近だと朝ドラ「東京ブギウギ」をやったりと、非常に幅広いですね。その人がやりたいという曲があればやるし、僕がプログラムを出す場合もある。自由です。

胡弓は日本の伝統楽器の中で一番、表現の可能性を秘めている。それは初めて出会った時の直感からずっと変わらない。種類が多彩で、それぞれがすごい可能性をもっている。その可能性を広げ、その魅力を演奏で伝えるアーテストである日々を、これからも積み重ねていきます。

基本情報

石田音人（いしだねひと）・1957年８月13日・静岡県焼津市出身

問い合わせ・電話09029230479(石田)・メールsound3459@yahoo.co.jp

■教室情報

名古屋市西区中小田井のスタジオ・工房で個人教室、天白区と小牧市で集団教室

2021年、本條秀太郎氏から独立し「﨑秀五郎」として新たな道を歩みはじめた。

本條氏の脇を務めた長きに渡り、三味線だけでなく、胡弓の音色で我々を魅了し続けてきた秀五郎さん。

独立以後は自宅のある台東区を本部に、トッププレイヤーとしてさらなる境地に挑み続けている。

インタビュー

国内外での演奏活動をはじめ、テレビドラマで和楽器の演奏シーンがある俳優さんたちの演奏指導を行ってきた秀五郎さんに、幅広い活動の中での面白エピソードを聞いてみた。

NHK大河「龍馬伝」では、龍馬役の福山さん、高杉晋作役の伊勢谷さんに、三味線の指導をさせていただきましてね。慣れない三味線を弾きながら演技するわけだから、相当に大変なわけですよ。女郎屋で三味線を弾きながら酒を飲むシーンがあったんだけど、「左手で盃をもって飲んで、それにあわせて、右手だけ動かしていりゃごまかせるから」なんて指導したら、右手は弾かずに酒ばっかり飲んでいた、なんてこともありましたねえ（笑。

ＮＨＫの時代劇で、胡弓を指導したこともあります。やはり女郎屋のシーンで、太夫の位の遊女が、しずしずと胡弓を弾いているシーンでしたねえ。胡弓の弓には大きな房が２つあって、とても豪華なものでした。

海外の管弦楽と一緒に演奏したとき「どうして胡弓を演奏中にクルクル回すんだ、行儀が悪いんじゃないか？」って聞かれたことがありましてね。「これは行儀が悪いわけじゃない、日本人は姿勢を静にすることで美しいとされている人種なんだ、と答えました」（笑。

三味線は石のように構えて、水のような音をだす、というのが日本の口伝に残っているくらいですし、太鼓にしたって、演奏している手だけが動いているでしょ。

演奏するためにアクションは必要ない、むしろ、それが削ぎ取られたからこそ、日本人の美学として生きているんじゃないかと思ったから、姿勢は一切動かさず、胡弓をクルクル動かすんだって言ったら、「It’s　Cool」って言ってました（笑。

自らがテレビ出演される際は、三味線だけでなく、胡弓を弾くシーンが印象的な秀五郎さん。教室ではどんなことを教えていらっしゃる？

胡弓が旋律に優しさをプラスする

端唄に胡弓を入れたりしますねえ。端唄の旋律のなかに、胡弓の優しさをプラスすることで、小難しい端唄の曲でも、マイルドになるんですね。単音しか出さない胡弓が、三味線と合わさることによって、アンサンブルを感じる。弦楽器同士で響き合うというのが、僕はすごくいいと思いますねえ。

端唄のなかに胡弓が使われてきた歴史はないとは思います。ただ、吉原の遊女の、位が高い太夫くらいになると、胡弓を演奏する絵が残っています。

太夫たちが端唄という文化を作ってきったのだとすると、あしらいで胡弓を弾いていたとか、三味線とのアンサンブルもあったんじゃないかと想像できますよね。映像や音源が残っているわけではないので、あくまでも想像ですが、そう考えるのは、夢があっていいんじゃないですかねえ。

和楽器の歴史を振り返ると、なぜゆえに胡弓が必要になったか、ということですよねえ。だって、笛のほうが昔からあったんだもの。そこに胡弓というものが後から加わったということは、日本人の耳に擦弦楽器の音が必要だった、ということかと思います。

18歳で本條秀太郎氏のもとへ内弟子に入られた秀五郎さん。23歳頃に「お前、胡弓やってみれば」という師匠のひと声からはじめた胡弓は、秀五郎さんの芸能生活にどんな変化をもたらしたのでしょうか？

胡弓によって心の持ち用が変わった

本條先生の作品に「おわら」をモチーフにした作品があって、最初は「俺は三味線を弾くから、お前胡弓やれ」といった具合です（笑。三味線ができるからっていって、胡弓ができるかといえば、そんなことはなく、ひと筋縄ではいかない楽器だな、っていうのは感じましたねえ。実際に指導するようになってからでも、それは思いますねえ。

胡弓は弓を動かしている限り音がでますが、三味線はそうではない。一般的には、胡弓は弓で弾く継続音、三味線は撥で叩く単音、という点において、違いますよね。

ただし、胡弓で継続音の感覚を培うと、三味線の撥音も単音じゃなくなる、撥を鳴らしたらそれで終わりか、といえばそうではなく、その後の余韻が大切。胡弓を演奏することで、その余韻を活かすことができる、という発想になりました。音を鳴らしておしまいという世界が取り払われちゃった。

ひと音の継続音に、より一層目覚めたといいますか、鳴らして終わりじゃないんだなあという、心の持ち用が変わりましたねえ。三味線のためにも、胡弓をやってよかったなあっていう、今思えば、そんなような胡弓との出会いだったかもしれないですねえ。

お稽古場を見渡すとサイズの異なる胡弓や三味線が色々。さまざまな試みに取り組む秀五郎さんが目指す世界観は、どんなところにあるのだろうか？

胡弓のアンサンブルを楽しみたい

最初に買ったのは、この小胡弓。弾きはじめた頃は本條先生からお借りしていたんですが、いつまでも借りっぱなしではいけないと思って、オークションで買い求めました（笑。

この「バス胡弓」は、神奈川県の子守唄「いかとり唄」を胡弓でアンサンブルするのに作ったんですよねえ。糸をより振幅させるために、二番三味線の「中棹」を足して長くして、あんまり長いもんですから、琴の糸をはりました。長い方が存在感あるでしょ（笑。皮はどこへ相談しても断られちゃって、自分で「紙」を張りました。

小胡弓もあれば、おわら胡弓のような中ほどの胡弓もある。胡弓でも大、中、小といったことで、アンサンブルを楽しめる。こういう試みをしています。胡弓のオーケストラというのができたら、これはまた面白いかもしれませんね。

自分の色をだしてこそ継承になる

自分は胡弓の古典を習ったわけでもないですから、こんな色々な試みをやるなかで、胡弓の入り口的な立場で普及に務められたらいいかと。そして「もっと本格的にやりたい」ということになったら本格的な方を紹介して続けていってもらったら、胡弓の普及に繋がるんじゃないかなあ、と思ってます。

僕に習っているからっていって、僕の通りに弾きなさいということじゃなくていいんですよ。僕は２人目いらないんですよね。僕に習ったお弟子さんというのは、そのお弟子さんの色を出してこそ、それが継承になっていくと思うので、思い思いの音の出し方があっていい。

だから僕は教えるのは、あくまでもベーシック。演奏するうえでの三味線人として、そして胡弓人としての人間の美学というのも含めてね。そこから先は自分の音楽にして、どんどん自分の音楽を突き詰めて欲しい。

そして、人に聞いてもらうことをたくさんしてもらいたい。１曲でも弾けるようになったら、その弾けるようになった１曲を、誰でもいいから、誰かに聞いてもらって、胡弓をどんどん広めてもらいたいなあ。

素敵なお話、たくさん伺いました！改めて「胡弓の魅力」って何ですか？

音色がね、胡弓は声鳴り、なんですよね。自分が鳴らしたい、声で表現したいものを、胡弓にのりうつさせることができるんですよねえ。

あんなガサガサした、摩擦で音を鳴らすんだけれども、おさえ方、圧力の掛け方、訴え方、強弱によって、声のように表現できるという、とても魅力的な楽器だと思います。だから、胡弓は大好きです。

基本情報

﨑秀五郎（さきしゅうごろう）・1975年11月25日・愛知県名古屋市生

問い合わせ・メール shugorosaki@me.com

■教室情報

本部教場　東京都台東区

銀座教場　東京都中央区銀座1丁目

大阪教場（大阪府大阪市内） 愛知教場（愛知県名古屋市内）高松教場（香川県高松市内）熊本教場（開設準備中）

日本の抒情歌とオリジナリティを大切にする独自のスタイルで、30年以上にわたり胡弓の新たな世界観を切り拓いてきた倉本さん。

その音跡は、日本三名園のひとつ・兼六園や、世界に誇る日本の名湯・和倉温泉加賀屋などでの定期的な公演を通して、石川県内の名だたる名跡・名所に刻まれてきた。

胡弓界のフロンティアにひとりとして、コロナ禍も能登半島地震も乗り越えて、さらに力強く前進しようとしている。

インタビュー

倉本さんの演奏は、兼六園や和倉温泉、しいのき迎賓館や県立美術館など、石川県の観光スポットでよく耳にします。胡弓の音色を多く方に届ける、という姿勢で、公共の場所での演奏を積極的に行っていらっしゃるのですね。

音色に耳を傾けていただける環境、それさえよければ

素敵な環境の中で、胡弓の演奏を楽しんでいただけているかと思います。聴いていただく側だけでなく、自分が気持ちよく演奏できる場所を好んで選んでいるんです。環境さえよければ、どこへでも行きますよ（笑。

逆に、ガヤガヤとうるさい所とか、胡弓に向かない場所では演奏しないようにしてます。静かな場所でじっくりと聞いてもらったほうが、達成感がありますから。

胡弓の音色に耳を傾けてもらえる、その魅力が活かせる場所で演奏したいと思ってます。

お稽古場兼ライブスペースとして構えた「遊竹庵（ゆうちくあん）」を活動拠点に、石川県内の文化センター４カ所で胡弓教室を開設。胡弓の普及に積極的に取り組んでいる倉本さん。お稽古では主にどんな曲を教えて、またライブではどんな曲を演奏している？

思いをのせて演奏できればいい

お稽古では主に「抒情歌（じょじょうか）」を伝えています。「ふるさと」等の童謡はじめ、みんなが知っている曲が中心ですね。抒情歌は旋律の美しさも去ることながら、言葉がものすごく綺麗で、それぞれに意味があるんです。

例えば「五木の子守唄」は、自分の子ではなく、奉公に出されて人の子をあやす作業歌であって、どちらかというと悲しい唄。モーツアルトがつくるヨーロッパの子守唄との決定的な違いがあるわけです。

奉公に出されたような苦しい時代があって、今の幸せな日本があるという、そこまで考えながら私はプレイするわけですが、生徒さんにそこまで言ってしまうと重たくなりますね（笑。

生徒さんには、ただ弾ければいいということではなく、唄のなかの言葉の意味を伝えて、懐かしい気持ちや優しい気持ちとか、胡弓に思いをのせて演奏できたらいいねって伝えてます。

和楽器を身近に感じて欲しい

「遊竹庵（ゆうちくあん）」を作るとき、人が集まって和楽器の演奏を聴きながらお酒を飲むという空間にしたかった。お酒は今のところ出してはないですが（笑。和楽器を遠い存在ではなく、身近に感じて欲しいな、ということで、小さくてもいいからライブできるようにしたんです。

コロナ禍でも、こんなときこそ音楽は無くしてはいけないと思って、年に数回ライブをやりました。能登半島の震災後は、能登復興支援の一環として、5000円や１万円でもいいから入場料の一部を避難所に寄付する活動をしてます。金額よりも、みんなで意識を共有することが大切、目に見える支援を続けていくのが大切と思って続けています。

遊竹庵でライブをやる時は、出演者に気持ちよく演奏していただく環境を提供したいと奔走しているので、胡弓はあまり弾きません。私は１〜２曲、乱入させていただくというのが理想（笑。遊竹庵では胡弓を売り込もう、ということではなく、出演者の方をはじめ色んな人との繋がりを増やし、そのなかで胡弓を活かす機会が増えればということやっています。

文化譜の採譜形式で綴られた「胡弓文化譜・入門編」は、今から20年以上前、自身でワープロで制作したという。この本に含まれる曲以外にも、軽く100曲は超える楽譜を自身で制作し、お稽古でも使用しているという。

音と音の間を大切にすると感動が生まれる

楽譜はありますが、楽譜に載せている音に魅力があるんじゃなくて、音と音の間にあるもの、行間というか、数字と数字のあいだを大事に弾こうねっていっています。技術的には伸ばしているときのビブラートとか、指の運びだとか、強弱とか、ちょっとしたことで演奏がガラッと変わる。

そういうことを大事にして、意識して弾けば、たとえ１曲でも人を感動させられる演奏になるんです。１音をきちんとと出すということに努力がいる、精神面の頑張りも要求される楽器ですね。今はなんでも効率的に、と言われる時代だけど、真逆を行っている楽器。そういう意味で、お子さんの教育にも適した楽器だと思います。

そうはいってもなかなかできなかったりするので、時には厳しくなることもあるんだけどね（笑。まずは楽しく、日本の美しい歌を大切に弾こうね、って言いながらお稽古してます。

津軽三味線の大会で優勝するなど、多方面で活躍される倉本さん。胡弓をはじめたのは、いつから？

年を重ねるごとに蓄積する趣味

若い頃は、冬はスキーに夏はジェットスキーといったアウトドアからお酒も何もかも、あらゆる遊びをやり尽くしまして。ロックが好きで、ローリングストーンズやイーグルスを聴いて、来日したクイーンやエアロスミスを追っかけしてました（笑。

３０歳を超えた頃、ある芸術家の方に、こう言われたんです。
「日焼けしたり、怪我したりする趣味、つまり消耗していく趣味ではなくて、年を重ねるごとに蓄積する趣味を持ちなさい」と。この言葉が響きましてねえ。

今からギターやバイオリンではないなあ、と。三味線だったらあと５０年はできるなあと思って、三味線をはじめたんです。５０年あればすごい三味線弾きになれるだろうと。

まず近所の民謡の先生のところに行きました。２年くらいでそこそこ弾けるようになったので、80歳くらいのお婆さんの前で弾いて、褒められると思ったら「まだまだこれからやね」と指摘されました。ちょっと和楽器を舐めてましたね（笑。１０年経たないと、格好も決まらない。一音をきちんとと出すことに努力がいる。コツコツとただひたすらに、丁寧にやり続けるしかない。楽はない。そう思いました。

そして民謡「越中おわら節」を習ったとき、はじめて胡弓に出会いました。本場の富山県八尾町に行って、すごい音やなあ～と感動したのが、胡弓をはじめたきっかけ。胡弓を色々なところで弾いているうちに、幸いなことに演奏仲間が増えていき、ご縁があって北國新聞文化センターで胡弓を教える機会に恵まれ、生徒さんを教えるとともに私も育ててもらったという感じです。

今から思えば、はじめて間もない胡弓の教室を持つなんて、よくやったな〜と思いますが「やるかやらないか？」選択肢があった場合、できるものなら「ちょっと無理してなんでもやったほうがいい」というのが私の信条。「すごく大変」はだめだけど、いつも「ちょっと大変」なほうを選んだことで、今の自分があるような気がしてます。

長い努力と精進の積み重ねにより、胡弓の新たな可能性を切り開いてきた倉本さんに、改めて、胡弓の魅力とこれからの目標について伺います

優しく、懐かしく、悲しい気持ちを表現できる楽器

胡弓は日本人の琴線に触れる楽器、DNAというか、それを掻き立てる楽器と思いますね。
我々はみんな原風景というか、懐かしいという感覚をどこかにもっている。
私も若い時はやんちゃをしましたが、今は心が丸くなるというか、優しくなるというか。誰もが持っている、例えば親が大事、家族や友達が大事とか、どこかに持っている優しく、懐かしく、悲しい気持ちを素直に出せる楽器が、胡弓です。そして、そういう心があった方が、いい演奏ができる、胡弓はそれを表現することができる楽器ですねえ。

胡弓を演奏していると、自分自身も癒されるんです。誰のためでもない、自分のために演奏している、最近はそんな気がします。

演奏者としては、これからも新しい曲にどんどん挑戦していきたいけど、難しいところは、胡弓の音色を殺すような曲であってはならない。胡弓に向いた曲を探し、伴奏を考え、若い人にもわかりやすい曲のなかで胡弓の魅力を伝える、そういった演奏や選曲をしていかなくてはいけないと思ってます。

そして何よりも「思い」がある曲を弾いていきたい、本当に心から好きな曲、この曲を伝えたいと思える曲を胡弓で伝えていきたい。日本の心の歌をテーマに、綺麗なメロディーで、感動を与えられる演奏をしていきたいと思っています。

基本情報

倉本由美子（くらもとゆみこ）・石川県白山市生

連絡先／076-275-0864・メール／co9-yumi@asagaotv.ne.jp

■教室情報

遊竹庵（ゆうちくあん）／石川県白山町

北國新聞文化センター／金沢教室、白山教室、小松教室