細い糸だけではじめよう！

音を出すには、糸がある程度、ピンと張っていることが必要。ある程度、というのも難しいところだが、指でピンとはじいて「pin!」と軽快な音が出れば、それでよい（笑）。
まずは細い糸（３の糸）だけ、ある程度の張力とともに、pin！という音を感じるまで、糸巻きを回しあげてみよう。あまり回しすぎると糸が張りすぎて切れてしまうので注意が必要。とはいえ、一度は切ってみるのが、張りすぎかどうか？を見極める近道ともいえる。そう簡単には切れないと信じて、糸が軽快に振るえるまで、糸巻きを回しあげてみて。（糸巻きの回し方については、別の項目を参照ください）

糸巻きを固定したら、その音を「ドレミファ」の「ド」と仮定しよう。これは「移動ド」と呼ばれ、音を絶対音感ではなく「相対音感」でとらえる考え方。絶対音感と違い、多くの人がすでに身についている音感とされているので、これを読んでいる多く方は自信をもってください（逆に絶対音感を持っている人は、ここから先は読まないでね）

その「ド」を起点に、「ドレミファ」と鳴らしてみます。左手の人差し指を内側に曲げて、細い糸の上をスライド。右手は弓を持つ前に指で弾いてみて。糸をおさえる左手の場所によって、音が変わることがわかるよね。棹に譜尺（ナンバーシール）を貼っている場合は、「ド＝0（何も押さえない）レ＝２、ミ＝♯、ファ＝４」ということになります。逆に貼ってない人は、自分の耳で音を見つけて、「ド（何も押さえない）レ、ミ、ファ」と手書きでシールを貼ってみよう。そして、この４つの音を使って、基本練習をスタートさせよう。つまり、調弦は後回し。胡弓を弾きたくて胡弓を買ったわけだから、とにかく、弾きはじめましょう。

ここからは、右手＝弓の練習です

細い糸における「ドレミファ」がわかったところで、いよいよ右手＝弓を入れていこう（弓の持ち方は、別項目を参照してね！ここでは、練習の仕方のご説明）。

弓のスタートは、原則「引き」です。

ピンと張った馬毛を糸に着地させて、スゥ～ッと、引いてみよう。
左手は何もおさえない、つまり「ド（移動ド）」の音だ。馬毛の根元から先端までを目一杯使ったら、次は「押し」にスイッチ。
「引き」とは逆に、馬毛の先端から根元までを目一杯使ったら、再び「引き」に、そして「押し」…のくり返し。

この「ド」がブレずに、安定して発音するようになるまで、引き＆押しをくり返して、そろそろいいかなあ、と思ったら、左手の人差し指で「レ＝２」の位置をタッチ…というより、スマホの「タップ」といった方がいいかな。左手は決して糸を強く押す必要はなく、軽く「タップ」するだけでＯＫ。レの音が安定して出るようになるまで、押し＆引きをくり返そう。レの押し＆引きが安定すれば、次は「ミ」、次は「ファ」といった具合にやるのが、オススメの基本練習。胡弓をはじめて手にしたとき、調弦に時間をかけるより、先ずこの基本練習に取り組む方が、胡弓をはじめましたー、という実感がわくのでオススメです。

右手＝発音を大事にしながら、その先へ

どんなに優れた音響装置であっても、スピーカーがイマイチだと、音が心地よく響かないように、どんなに高級で優れた胡弓でも、弓の押し引きがイマイチだと、音は心地よく響きません。右手、つまり、弓はスピーカーと同じ。左手の上達に取り組む前に、右手＝弓を整えるのが、上達の近道。だから左手は、さしあたり「ドレミファ」で充分。簡単な左手の動作をくり返すことで、右手の練習に集中しよう。とはいえ、あまりに退屈すぎては、練習もはかどらない。ドレミファの先へ、つまり、「ドレミファソラシド」と、音をみつけていこう。くれぐれも無理のない範囲で、右手の練習であることを忘れずにね。

「ドレミファソラシド」がわかれば、調子にのって！なにか１曲、と弾きたくなるのが人情。簡単なところで童謡「チューリップ」や、「キラキラ星」等を弾いてみるのもいいかもね。そう、調弦をしなくても、細い糸だけで、胡弓は曲が弾けてしまうのだ。この先、どれだけ上達しても、この仕組みは同じ。胡弓は、メインのメロディーをほぼ細い糸で弾く楽器。だから、調弦は後回しにして、まず細い糸だけで練習するというのは理にかなっている、というわけです。

もちろん、調弦は大事です

あくまで、はじめて胡弓を手に取った人が最初にするべきことは調弦ではないよね、という意味であって、もちろん、調弦は大事です。

弦楽器である以上、調弦は宿命。
ただし、ここでも絶対音感的な考え方ではなく、相対音感的な考え方が大切。細い糸が「ド」であるかどうか？うんぬんより、３本の糸のバランスが求められるのが、胡弓の調弦に対する考え方の基本となります。そういう意味でも、胡弓を手に取ったその時から、「ドファドにあわせましょう」云々というより、まずは弾くという実践を優先しよう。調弦に関する詳しい説明は、別項目を参照してね！

皮と糸の間に「駒」を立てることで、胡弓の音は響きます。

小さな部品ですが、これが音に大きな影響があります。

形や素材によって、音を変えてしまうほどの力がある駒についてお伝えします。

駒は焦らずにゆっくり、垂直に

駒には３つの溝が入っており、それぞれの溝に、３本の糸がハマるようになっています。

溝はそれぞれ高さが異なり、高さが高い溝に三の糸、低い溝に一の糸をハメます。高さの違いが微妙な場合は、ひと目でわかるように印をつけておくのがオススメ。

駒の上下を確認したら、次の順序で駒を立てます。

①人差し指で糸を持ち上げる。

→糸が持ち上げにくい＝糸の張りが強い時は、糸巻きを少し緩めて、糸を持ち上げやすい状態にする。　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　

②持ち上げた隙間に駒を滑り込ませる。

③三本の糸をそれぞれの溝にハメる。

④駒を真上から見て、垂直に立つよう微調整する。

→駒が斜めになっている時は、演奏中に倒れたり、駒が割れてしまうこともあるので要注意。

立てている途中に、糸のプレッシャーに押されて駒が倒れたり、溝にうまくハマらなかったり…最初のうちは色々とトラブルがあるかもしれません。

そうならないよう、駒を立てるときは、焦らずにゆっくりと行ってください。

駒の置き場で音が変わる

どこに駒を立てるか？を考えるとき基準となるのは皮の張り具合です。

胡弓の皮が、四方八方に引っ張っられて貼り付けてある現状を想像してみてください。
その張り具合＝テンションは、縁にいくほど強く、真ん中ほどゆるくなります（トランポリンやポッコリお腹！を想像してみると、わかりますよね。真ん中ほど柔らかい）。
この張り具合＝テンションが、そのまま音に反映されるわけです。

駒を置く場所が、縁に近ければ近いほど、張りが強い＝テンションが強く硬い音となり、真ん中に近づくほど、張りが弱い＝テンションが弱く柔らかい音になります。

さて、改めて胡弓の胴をみてみましょう。

胴縁に貼りついている皮は、一切、振動しないものとしましょう（糊でしっかり接着してますから）。
実際、胴縁の上に駒を置いても、皮はほとんど振動せず、糸の音が鳴るだけです。そこで、胴縁にかかってない皮のラインを基準に、ここから１センチ開けた場所を標準として、駒を立てましょう。
慣れてきたら、出したい音に応じて、そこから駒を内外に移動します。硬い音を出したければ縁側へ、柔らかい音を出したければ中心側へ移動する、といった具合です。最初のうちはあちこち移動して、音の違いを検証してみるのもいいかもしれません。でも、慣れてきたら、移動距離は、ほんの少し、0.1㎜単位。微妙な音の違いを楽しむのが、胡弓の醍醐味です。

駒の移動になまくらは厳禁！

糸がピン！と張っているとき、その下敷きになっている駒は、大きな力＝プレッシャーがかかっています。
駒を移動する際は糸を持ちあげて、プレッシャーから開放させた状態で移動しましょう。

糸を持ちあげずに、駒と接着した状態＝プレッシャーがかかった状態で移動すると、駒が割れる原因になります。

特に竹製の駒は、節のラインからパキッと割れることがあります。
駒の移動はなまくらせず、丁寧に行いましょう。

うまく立てれば駒は倒れないよ

胡弓の駒は、竹や木を山のような形に削り出した一枚ものが一般的です。

それだけでは自立できず、糸と皮の間に挟み込むことで立った状態になるわけですが、うっかり垂直ではなく、少し斜めに立てたりすると演奏中に倒れる場合があります。糸の圧力をまともに受けた状態で皮に向かって倒れ込むわけですから、それはそれは、ピシャーーー！！と相当に大きな音が出て、驚かされます。これを避けるために、それ自体で自立できるように足をつけた駒があります。確かに、倒れる心配はありませんが、デメリットもあります。

胡弓は糸の振動を駒に伝えて、皮を共鳴させて発音する仕組みになっているわけですが、駒と皮との設置面積が増えるほど、皮の振動を押さえ込む（皮が振動しにくくする）という状況を作ってしまいます。駒に足がついている、ということは、駒が皮の振動を妨害している、という側面もあり、音の伸びを殺してしまうことになりかねません。足つきの駒を使用する際は、このデメリットを理解して使用するようにしましょう。

そもそも、駒はそう簡単には倒れません。駒を立てる際に、糸や皮に対して垂直に立てる（斜めにならない）よう注意を払うことで、駒は倒れません。倒れることを駒のせいにしないで、「立て方」を丁寧に行うよう心がけましょう。焦らずゆっくりトライしてください。

通り道が変われば出口（発音）も自ずと変わる

くり返しになりますが、胡弓は糸の振動を駒に伝えて、皮を共鳴させて発音する仕組みです。従って、音の通り道となる駒は、音色に大きな影響を及ぼします。置く場所によって音が変わってくるのはお伝えした通りですが、駒自体の大きさや高さといった形、また、素材によっても音が変わってきます。

音を出す場所によって、一緒にあわせる楽器によって、季節によって、気分によって、丁度いい音が出せるよう、いくつかの駒を使い分けるのが理想的です。
「おわら胡弓」をはじめ、胡弓の駒の多くは古来から「竹」を削り出して作られました。軽く硬く、加工も比較的しやすい竹は、胡弓の駒に最適な素材といえます。

これまで色んな素材で試したので、そのレポートです。検証は、胡弓奏者misatoによるものです。

①「紅木」駒　〜低音で潰れたような音、高音で縦に伸びる繊細な音

②「朴木（ほうのき）」駒　〜軽く伸びのある印象、ポップな広がりがある音

③「樫（かし）」駒　〜全体的に柔らかく膨らむ優しい音色、中音～高音で潰れる印象

④「白紅木」駒　〜低音で音が散らばる（ガサつく）印象、高音で繊細な音だが、伸びに欠ける印象

⑤「桜」駒　〜全体的に響きにくく、竹駒に比べて強めの音、薄いほど悪くはない

ちなみに、竹駒は「伸びがある、広がりのある音。飛距離がまっすぐで、音の輪郭がはっきりでる」というのが特徴、とのこと。

どの素材もそれぞれに特長があるので、今後も色々な素材を試してみながら、その場その場に最適な駒をセレクトしていきたいものです。

チューナーってなんだろう？

まず、基本的な知識からおさらい。チューナーとは音を認識して、どの音が鳴っているか表示する機械です。日本の学校教育ではドレミファソラシドと習いますが、ほとんどのチューナーは、ＡＢＣＤＥＦＧで表記され、半音階を加えた１２音階表記がベースになります。

チューナーを使えば、「チューニングを自動的にしてくれる」というものではありません。あくまでも、現状の音を教えてくれるだけです。とはいえ、音を鳴らしても、どの音がなっているか？を自分の耳で理解するまでには相当な時間を要するので、鳴らした音を教えてくれるだけでも、特に初心者にとっては大変に重宝するものです。

鳴らした音が目標より低いとわかれば、糸巻きを回し上げて音をあげる、逆に高ければ、糸巻きを回して音を下げる、といった方向性と着地点を示してくれる道具、というわけです。
こんな便利な道具は使わない手はない！と思いますが、和楽器の世界で、なぜチューナーが敬遠される場合があるのでしょうか？

平均がわかるから個性も理解できる

前述したとおり、チューナーが示す音は１２音階です。これは「平均律」に基づく考え方で、周波数を均等に分割して音階を割り当てるという、ヨーロッパ音楽を源流とする合理的な音楽理論に基づいたものです。明治時代以降に日本の学校教育現場でも絶対主義的に！取り入れられているので、まるで全ての音楽が１２音階に基づいている、と考えてしまう日本人も多いのですが、江戸時代までの楽曲には、まったく存在しない考え方でした。

つまり、日本の伝統楽器には、そもそも１２音階は当てはまらないわけです。もっと具体的にいうと、１２音階に当てはまらない音がたくさんある、というわけですね。

そのため和楽器のお稽古は、師匠と相対して行う「対面稽古」が主流になっています。和楽器が奏でる音は音階で表現できないので、目の前で聴こえた音を真似するしかないわけです。チューニングも然り。師匠はチューニングですら、その日によって違ったりするわけで、チューニングから膝を突き合わせて真似をしないと、どこを押さえても勘どころが違う、つまり「勘違い」というわけです。
日本の音楽教育は明治時代から、ほぼ変わらず平均律を主流としているにも関わらず、和楽器の現場ではそれを否定してきました。明治時代から変わらず交響曲を第一とする日本の音楽教育もどうか？とは思いますが、そこに歩み寄らずにいた伝統楽器もどうか？と思います。その結果、和楽器の衰退を招いた、とも考えられます。歩み寄りの第一歩が、チューナーと考えてみましょう。

多様性の時代に平均律を推しているわけですが、平均がわかるほうが個性がもつ意味もわかるというもの。最初はまず、平均を知るためにチューナーを使うことを、このサイトではオススメします。（チューナーをよしとしない方がいまだに多いため、少しくどい説明となってしまったことをお詫び申し上げます。）

ドレミファソラシドは目安と考える

チューナーを使うということは、そもそもドレミファソラシドを前提にしていない和楽器を、それにあてはめて考える、ということになります。その一方で、演奏する曲はドレミファソラシドを前提に作られた音楽である場合が多いのではないでしょうか。

平均律が取り入れられた明治時代以降につくられた日本の曲、つまり歌謡曲やポップスはもちろん、童謡や民謡さえもそのほとんどは、明治以降にドレミファソラシドによって創作されたものです。西洋音楽は言わずもがな。こと胡弓においては、現在残っているもので江戸時代までに制作された楽曲は、ごくわずか。これらの伝統曲を演奏するときを除けば、チューナーを使うことは決して悪いことでない、むしろ、作者の意図を再現するために使わなければいけない道具であるということがわかります。

とはいえ、平均律に収まらない無限の音を使うことこと、ドレミファソラシドで表現しきれない音を表現できることが胡弓の、ひいては、和楽器の醍醐味です。ドレミファソラシドは目安と考えて、その隙間にある無数の音に挑みましょう。「和楽器奏者」とは、そこにある無限の音を楽しめ人のことを言うのかもしれません。

スマホもいいけど・・クリップ式がオススメ

チューナーにはマイクで音を拾うタイプと、楽器の振動で音を認識するタイプがあります。スマホのアプリで「チューナー」と検索すると無料のアプリがあり、その仕組みは、スマホのマイクで音を拾って、音階を認識します。前述したうちの「マイクで音を拾うタイプ」になります。

このタイプは楽器そのものの音だけでなく、周囲の音を拾ってしまうので、静かな環境を確保して使う必要があります。ひとりで練習するときは大丈夫ですが、合奏する時は他の人も同様にチューニングをするので、いろんな音を拾ってしまって、自分のチューニングに集中できない難点があります。

一方、振動で音を認識するタイプは、楽器の一部にクリップで取り付けることから「クリップチューナー」と呼ばれます。周囲の音の影響を受けにくいため精度が高く、かつ、安価で流通しているので、オススメです。胡弓に限らず、三味線やウクレレ、ギターなど、弦楽器のプレーヤーは、このクリップタイプのチューナーを使用する方がほとんどです。２０００円前後から購入できるので、ひとつ持っておきましょう。

ほとんどクリップチューナーはマイクロ電池で稼働しますが、電池が切れたとき、あるいは、チューナーそのものを忘れるときに備えて、スマホのチューナーアプリをダウンロードしておけば安心です。どちらも使用方法はほぼ同じ。その使用方法について、このページでは基本的な考え方を紹介しておきます。

チューナー

チューナー

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あくまでも自分自身でチューニング

チューナーを使う場合、冒頭に述べた「方向性と着地点を示してくれる道具」という定義を忘れないようにしましょう。チューナーが教えてくれるのは、あくまでも現状の音です。そこから「どこへ向かうか？」を決めて、実行するのは自分自身です。
胡弓は弓で弾きますが、チューニングの際は指で糸をはじきます。

このページでは、チューナーの基本的な考え方と使い方がテーマでした。
さて、どの音にあわせるか？は「ふれる＞チューニング、どうあわせる？」ページに書いていきます。お楽しみに。